Прежде, чем вы начнете читать, я бы хотела прояснить один важный момент: в каком стиле я учу петь?

В эстрадном. 

Данная техника целиком посвящена современному звукоизвлечению в таких направлениях, как поп, рок, джаз, блюз, фолк, рэп.

Если вы мечтаете об академическом оперном голосе, то здесь речь не об этом. Хотя, на мой взгляд, основные принципы, которые я использую, подходят для освоения любой вокальной техники. 

Предупрежден – вооружен!

Поехали!

Исходя из статистики уроков, которые я выкладываю на YouTube, за два года видео о том, как брать высокие ноты, набрало 200 тысяч просмотров, а о том, как попадать в ноты – 100 тысяч. 

То есть, люди чаще ищут про громкость и диапазон, чем про попадание в ноты. 

Дело в том, что часто под понятием "научиться петь" имеется в виду умение петь высоко и громко. Хотя фальшь, по моему опыту, проблема гораздо более распространенная и имеющая существенно большее влияние на то, как воспринимается пение - хорошо или плохо. Если вы, скажем, не попадаете в ноты, то никакой красивый или громкий тембр это не спрячет. 

Но, конечно, развитие вокальных способностей маловероятно без развитого диапазона и громкости. Они дают возможность делать звук громче или тише, появляется свобода действий. Это как краски. Попадание в ноты – это черно-белый рисунок, а сила, тембр и диапазон голоса – это то, чем можно этот рисунок раскрасить. И когда у вас "не хватает красок", когда вы не знаете, где их взять, черно-белый рисунок так и остается черно-белым, посредственным, не индивидуальным. 

 А иногда и сам рисунок нарисовать невозможно, потому что вы просто не можете достать нужную вам ноту. Есть такое понятие (не знаю, кем придуманное) – техническая фальшь.  Это когда вы не можете спеть чисто, не потому что плохо интонируете, а потому что вам физически неудобно (или вообще невозможно) петь мелодию. Препятствие, ограниченность, бессилие – вот к чему может привести отсутствие вокальной техники. Когда любимые песни в плеере так и остаются просто любимыми песнями в плеере и никак не перекочевывают в собственный репертуар. Остается только вздыхать и завидовать "как же она/он так делает?.."

Таким образом, вокальная техника нужна для того, чтобы:

1)     петь более красивым голосом (изменить тембр);

2)     иметь саму физическую возможность спеть (научиться петь высоко/низко/громко). 

Обычно любая вокальная техника помогает справится с такими основными вопросами: певческое дыхание, расслабление голоса, громкость, высота, сбалансированый тембр, развитие вибрато и т.п

В своем опыте я пробовала много разных вокальных техник, ходила по педагогам, и на, мой взгляд, все они при попытке формировать все эти навыки, упускают самый главный вопрос:

КАК учиться петь? 

В чем секретный ингредиент? Почему одни умеют, другие нет? Почему кто-то учиться быстро, кто-то медленно? Что является главным в успехе обучения вокальной технике? 

И вот здесь я и отличаюсь от большинства школ и подходов: я отвечаю на вопрос, как учиться петь. 

Развитие всех перечисленных выше навыков существенно убыстряется, если вы умеете учиться, знаете секретный ингредиент. 

Таким образом, мое повествование делится на две составляющие: 

1. Рассказ о том, как учится петь. 

2. Вокальный словарь. Я перечислю все известные мне вокальные навыки, которые помогут вам петь красиво и правильно. Скорость освоения этих навыков напрямую зависит от пункта один.

Не смею больше вас томить, перехожу к своему рассказу.

Для начала давайте подумаем, почему далеко не все преподаватели вокала или вокальные методики ответят вам на вопрос "Как учиться петь?" 

Чаще всего обучение вокальной технике – это туманные, пространные блуждания в ассоциациях самого преподавателя. И это не удивительно, потому что почти ничего из того, как тело создает звук, не видно. Тем более, мы не видим сам звук. Личное воображение преподавателя – единственный его инструмент в объяснении. 

Часто преподаватель, точнее его ассоциации, – это связующее звено между вами и звуком, который вам надо издать. Иногда эти ассоциации совпадают с вашими, и тогда вы понимаете, что делать. Но чаще всего этого не случается. И процесс начинает походить на глухой телефон. 

Личные ассоциации преподавателя, его объяснения – это не панацея, это не железное правило, не аксиома! Это его личные ассоциации! Возможно, если бы вы были преподавателем, вы бы объясняли совсем по-другому. Именно поэтому в обучении вокалу так много путаницы, много терминов, много мнений, многие из которых противоречат друг другу. 

И из этой сложной ситуации я нашла такой выход: учиться у звука!  Он ваш учитель. 

Для совершенствования голоса вам не нужен никто и ничего, кроме звука. Говоря проще, я предлагаю способ звукоподражания. В этом случае между вами и звуком нет посредника. Звук - ваш учитель. Зачем слушать о том, как спеть, вместо того, чтобы самому послушать звук и попытаться его повторить?

Умение копировать другой голос – это почти беспроигрышный вариант в обучении вокалу. 

Много раз повторяя звук за эталонным голосом, вы запоминаете тембр, можете представить его в голове. Я называла эту способность - аудиовоображение. Аудиовоображая мелодию, ваше тело понимает, что вы от него хотите. Нужные мышцы подстраиваются  сами, без логического контроля. Так вы издаете нужный звук. 

Звукоподражание взращивает ваше аудиальное воображение, потому что именно так ваш мозг получает больше всего информации о звукоизвлечении.

Некоторые пытаются выстраивать логический контроль за мышцами: дыши в ребра, вытяни губы, опускай корень языка. Но в пении участвует такое количество мышц, что вам просто не хватит внимания, чтобы за всем уследить. Контроль за мышцами может помочь только тогда, когда у вас уже получилось издать нужный звук. Например, еще больше приподнять верхнюю губу для более звонкого звука. Но просто так поднимать губу не научит вас петь! Ах, если б, это было так просто! 

Тоже самое со словесными описаниями. Они помогают лишь тогда, когда вы уже уловили звук. В этом случае словесные комментарии действительно могут скорректировать ваши действия, но они никак не могут воссоздать основную картинку. 

Одна знакомая рассказывала мне, что ее преподавательница намеренно не произносит звуков во время уроков, чтобы ученица не слышала и не копировала ее тембр, чтобы она создавала свой собственный. Но, простите, как это вообще возможно? Как можно научиться звуку, который ты не слышишь? 

Пример из другой области. Вы никогда не видели птиц, а я прошу вас нарисовать птицу. Я буду бесконечно описывать вам, как она может выглядеть, говорить о строении крыльев, и на что похожа мягкость перьев, и как птица балансирует хвостом в полете, и как расправляются и складываются ее крылья. Ну, наверное, что-то вы нарисуете, но, скорее всего, это будет нечто очень приблизительное, и, возможно, совсем не похожее на птицу. Но если я вас приведу в парк и один раз покажу, как выглядят птицы, вы уже точно будете знать, что рисовать. И чем чаще вы будете видеть птиц, тем точнее будет ваш рисунок. 

Рисовать именно так и учат! Сначала человек много раз срисовывает, оттачивая визуальное воображение и визуальную память, и лишь затем в его голове возникают собственные сюжеты и картинки, которые он рисует в правильном соотношении форм и цветов.

Тоже самое со  звуком. Чем точнее вы будете аудиовоображать характер звука, тем точнее будут подстраиваться мышцы вашего горла и челюсти и тем точнее вы будете воспроизводить звук. Вашему мозгу нужна точная мысль, чтобы издать точно правильный звук. И мысль эта должна быть в виде звука. Никакие словесные описания не могут дать даже половину того эффекта, который дает копирование на слух. 

1. Одна и та же вокальная техника (манера) делает голоса похожими.

Это то, от чего вы не уйдете, даже если вы не ставите себе целью скопировать чей-то голос. 

Есть оперное (академическое) пение, есть русско-народные исполнители, есть эстрадная манера. Для каждого направления есть свои особенности тембра. Вы можете определить, в каком стиле поет тот или иной певец, даже не имея особых знаний в этой области. 

В нашем случае вы хотите петь современным звуком - в эстрадной манере. Так? Значит, вы будете звучать схоже со звуком современных исполнителей. С этим ничего не поделаешь.

2. Тела разные, голосовые связки разные.

Даже если вы поете в той же технике, что и еще миллионы людей, ваше пение все-равно будет отличаться.

Ваше тело уникально, и в тембре всегда будет своя изюминка, не смотря на то, что ваше пение будет принадлежать к определенному стилю музыки.

Вспомните академических певцов. Так как я не особо любитель академического пения, для меня они поют практически одинаково. Но истинный поклонник всегда отличит тембр любимого исполнителя. Да, техника одна, но, тем не менее, тембр одного человека всегда отличен от другого, точно так, как не существует одинаковых вокальных связок. 

3. Копировать не голос, а вокальные приемы. 

Я не предлагаю копировать чужой голос и петь только так, как конкретный человек. Я предлагаю разбить современный популярный тембр голоса на составляющие - вокальные приемы - и научиться копировать их. 

Все современные исполнители пользуются приемами, которые крайне схожими между собой. Назовем это палитрой звуков. 

Если вы владеете этой палитрой, вы можете выбирать, каким приемом петь в конкретной песне или части мелодии. Вы будете иметь свободу, петь песню такими красками, какими сочтете нужными. 

Таким образом, обучение вокалу через звукоподражание, на самом деле, не несет угрозы вашей уникальности. 

Копирование учит вас управлять голосом, менять его осознанно.

Предположим, вы решились использовать прием звукоподражания. Что нужно знать, что бы начать взращивать этот навык?

Чтобы уметь копировать тембр голоса, нужно внимательно его слушать. Часто люди повторяют нужную ноту, саму мелодию, ритмику, но не обращают внимания на тембр, которым мелодия спета. 

Аудивоображать можно разное: высоту звука (ноту), тембр, ритмику мелодии, музыкальное сопровождение, под которое поется мелодия. 

Если человек  умеет запоминать высоту звука (относительный слух), он хорошо попадает в ноты, 

если может запомнить ритм (ритмический слух) - попадает в ритм мелодии, может его повторить

если может представить про себя музыкальное сопровождение (гармонический слух), то не фальшивит при пении под музыку. 

А вот если может представить, запомнить тембр голоса, то такому ученику будет легко развивать силу голоса, диапазон, менять тембр. За эту способность отвечает тембральный слух. Именно его следует развивать, чтобы успешно заниматься вокальной техникой.

Как узнать, есть ли у вас тембральный слух?

На самом деле, он есть у всех людей (за исключением глухих). Именно с помощью тембрального слуха вы легко узнаете голос родных по телефону и никогда не спутаете мамин голос с папиным, потому что тембры их голосов разные. Однако такого бытового уровня недостаточно для занятий вокалом. 

Развитый тембральный слух делится на два этапа развития:

1. Вы можете отличить тембр одного певца от другого. 

С этой задачей все довольно просто. Например, отличить тембр Аллы Пугачевой от Полины Гагариной – несложная задача. 

2.Вы можете отличить разные варианты тембра одного и того же певца. 

Если та же Алла Пугачева споет сначала одним тембром, потом чуть-чуть другим, вы можете не заметить, что что-то изменилось. А если и заметите, то можете не уловить, что именно. Это более мелкие детали, которые можно просто не успеть отследить, особенно если вы не привыкли это делать.

Если вы можете улавливать мелкие нюансы тембра, то можете скопировать его - спеть похожим окрасом.

1. Невнимательность к тембру звука.

Развитие тембрального слуха возможно только, если вы умеете внимательно слушать окрас голоса! Если вы не можете сконцентрироваться на тембре, то у вас не получится издать похожий звук.  

Выход: много раз слушать эталонный голос, учиться удерживать внимание на его окрасе.

Далее, предположим человек замечает нюансы тембра, может отличать его особенности, но…не может повторить, спеть. Почему? Из этого вопроса вытекают следующие причины, мешающие копировать звук. 

2. Поющий не осознает, что надо спеть по-другому. 

По сути, это тоже про невнимательность к звуку, но немного специфическую. Человек пытается издать НОВЫЙ звук СТАРЫМ (привычным для себя) способом. Он как бы не может "отлипнуть" от привычки петь определенным образом. Едет по тем же рельсам, даже не замечая этого.

Почему так?    

Ученик послушал тембр и тут же забыл про него, а дальше поет, как раньше. Долговременная память еще не натренирована, и ученик может быстро забывать звук.

Выход: чаще слушать оригинал и при этом повторять короткие кусочки мелодии.

3. Поющий стесняется спеть по-другому. 

Почему так? 

Боится издать, по его мнению, смешной, нелепый, "неправильный" звук. Боится осуждения, насмешки. 70% учеников не могут скопировать звук именно по этой причине. Психологический барьер. 

Выход: отбросьте оценочность. Она будет только мешать. Разрешите себе петь неправильно, некрасиво, не так, как принято у вашего внутреннего критика :) Если вы очень стесняетесь, выбирайте время и место, где вас никто не может услышать, и экспериментируйте, экспериментируйте, экспериментируйте! Без проб и ошибок невозможно найти то, что нужно.

Попробуйте принять такую мысль: смешной, нелепый, неправильный звук – это не ошибка! Это опыт. 

4. Страх издавать громкие звуки. 

Почему так? 

Если человек привык говорить тихо, не повышая тон, то даже небольшое повышение громкости может показаться ему чем-то чересчур! В таких случаях, когда я прошу еще повысить громкость, я слышу ответ типа "еще громче?! но я же уже кричу!!". Хотя при этом ученик поет на 30-40% от возможной громкости. 

Выход: (как в прошлом пункте) – разрешить себе быть громким!

Звукоподражание - это способ, который я применяю на себе. Я прошла довольно долгий собственный вокальный путь в поисках звука, которым бы хотелось петь. 

Я ходила к преподавателям с высшим вокальным образованием, пробовала популярные техники. Но все это только запутало меня. 

Звукоподражание открылось мне случайно. В тот момент я пребывала в сильнейшем вокальном кризисе с мыслями о том, что мне не дано, я ничего не понимаю, мне надо сменить деятельность и бросить творчество. 

Но вдруг, пропевая вместе с исполнительницей любимую песню, я заметила, как в некоторых местах мой голос становится очень похож на то, что делает певица. Я пела вокальным приемом своего кумира! 

Тот момент изменил все. С тех пор для собственного развития я пользуюсь только приемом звукоподражания. Даже приходя к кому-то на мастер класс, я прошу не объяснять мне ничего словами, а просто показать звук и дать мне обратную связь - похоже или нет. 

С применением звукоподражания, для меня не стало невозможных приемов. Мой прогресс стал необычайно быстрым. 

Тоже самое я замечаю в своем преподавательском опыте. Быстрее всего вокальную технику осваивают те, кто не стесняется подражать звукам, дурачится, кто не боится издать странный смешной непривычный звук. 

Те, кто умеет звукоподражать довольно редко оказываются на вокальных уроках. А, если и приходят, им всегда нужно 1-5 занятий, и дальше они пускаются в самостоятельное плавание. Я наблюдала это несколько раз. Моя задача состоит лишь в том, чтобы обратить их внимание на то, что они . и так уже умеют делать, но не замечали этого. После занятий они используют голоса любимых исполнителей, чтобы учиться тому, чему хочется. 

На вокальные уроки ходят преимущественно те, кто не умеет копировать, не замечает окрас голоса. И они посещают занятия годами. Преподавателю это, конечно, очень выгодно :) Но  и трудоемко. Иногда уходит крайне много уроков, чтобы "раскачать" ученика обращать внимание на тембр и не бояться собственных новых звуков.

Я все больше убеждаюсь (особенно в вопросе вокальной техники), что основная преграда, отделяющая человека от красивого звука – страх, боязнь показаться каким-то "не таким". 

Например, сидит тихая скромная девочка, в нотки попадает, мелодию запоминает, а громкие высокие ноты – никак! И тут от какой-то моей реплики она начинает смеяться, да таким звонким, высоким, пронзительным звуком! Вот он! Она уже все умеет! Но в стремлении быть слишком правильной (а вдруг сделаю ошибку!) она блокирует все эти умения. 

Обратите внимание на свой голос в повседневной речи, как смеетесь, плачете, кричите, говорите что-то с волнением или злостью, особенно тогда, когда есть сильные эмоции. Наверняка вы сможете заметить моменты, когда ваш голос меняется, становится звонким, громким, высоким или низким, внушительным или просто не таким, как всегда. Возможно, вы уже умеете издавать нужные звуки, но не замечаете этого.

Здесь мне сразу вспоминаются дети. Все они, почти без исключения, очень голосистые создания, особенно лет до 2-3. Потом… уж какие у кого родители… Часто взрослые просят, а иногда и требуют от ребенка тихого поведения. Ну вот и получаем потом взрослых, которые при большом желании петь боятся издать хоть сколько громкий звук…

Сейчас много разных вокальных мастер-классов, предлагающих раскрыть свой "настоящий голос", "снять блоки и зажимы" и т.д. Часто в этих методиках используются нестандартные упражнения такого типа: изобразить вой какого-то животного или воспользоваться образом и представить, что вы какой-то персонаж или что-то такое. Часто, например, просят представить, что у вас внутри некая труба и вы в нее дуете. То есть, это как раз и есть способы заставить вас выйти из привычного самоощущения, а вместе с этим и из привычного звучания. Это тоже относится к звукоподражанию, вы звукоподражаете животным, или людям, или образам. 

Я была на одном из таких мастер-классов. В принципе, подход, наверное, рабочий, в частности, я тоже предложу вам помяукать :). Но если слишком углубляться в подобный метод, можно сильно уйти от пения и перейти на вой, крик или что-то подобное. Это может сработать как вводное упражнение,  а что дальше? Я считаю, что подражать надо все-таки поющим голосам, учиться копировать звуки хорошо поющих людей. 

Вам нужно выбрать голос (эталон), звук которого вам нравится, и копировать именно его. Все происходит по такой схеме:

Говоря проще, ваши мышцы подстраиваются под то, что вы им "командуете" сделать. Это и легкие, которые вбирают нужный объем воздуха, и брюшной пресс, который выталкивает воздух с нужной силой и скоростью, и гортань, и положение мягкого нёба, языка, губы, нижняя челюсть, и, наверное, еще какие-то мышцы, о которых я даже не знаю. Но это неважно. Работу всех этих невидимых глазу органов обеспечивает мысль или звуковой образ того, что вам нужно издать. И чем чаще вы будете слушать звук и пытаться скопировать, тем точнее ваши мышцы смогут скоординироваться, чтобы издать его. 

Звукоподражание – намного более эффективный способ обучения пению, чем логическое выстраивание действий: выдохни животом, подними нёбо, опусти корень языка и т.п. Буквальный мышечный контроль в пении – это грубый контроль в том смысле, что вариаций возможных действий так много, что обычной логике это просто не подвластно. Ваше нёбо опуститься на 2 мм ниже, и будет уже другой звук. Как вы сможете выверить эти 2 мм движения вашей мышцы, расположенной глубоко в горле? Наши мышцы не кнопки, у них слишком много вариаций положений, и вряд ли контроль над ними вам поможет.  Вам поможет контроль над мыслями. В звукоподражании вы пропускаете грубый контроль, мышцы выстраиваются без участия вашего сознания. Мысль намного точнее и быстрее. Уж как это так вышло, я не знаю, но знаю, что это работает, поэтому почему бы не пользоваться? :)

В принципе, да :) 

Но с моими дальнейшими объяснениями вам будет гораздо проще ориентироваться. 

Моя работа состоит в том, чтобы обратить ваше внимание на разные вокальные приемы, которые я уже нашла и систематизировала. 

Таким образом, выделяя для вас какой-то конкретный окрас звука, я научу вас слушать тембр. 

В будущем, возможно, вы проявите творчество и найдете новые краски, которых пока не нашла я.

Рекомендую читать Вокальный словарь по порядку. Приемы упорядочены по важности и сложности.

После описания каждого вокального приема я предложу вам отработать навык: спеть несколько упражнений и прочувствовать прием на себе.

Приступим!

Я начну свой вокальный словарь с самого главного - режимы работы голосовых связок. 

Режим работы связок напрямую влияет на окрас звука. Бывает, что ни расслабление голоса через дыхание, ни какие-либо другие вокальные приемы или фишки не помогают построить современный тембр голоса. 

Если ваше желание, задача - спеть с мощной подачей,  так, как поют большенство современных исполнителей, то вам обязательно нужно разбираться в этом вопросе! 

Особенно проблема актуальна для женщин. Девушки часто жалуются: "Не могу спеть мощным голосом. Дышу, добавляю громкость, а звучит все равно мягко".  

В основном эта глава будет полезна именно таким ученицам. Хотя, и мужчины получат полезную информацию о способах функционирования голосового аппарата. Эти способы актуальны и для них. 

Только определившись, в каком режиме работают ваши связки, можно понимать, чего ждать от остальных приемов, которые я предложу. 

В общем, читать всем! :)

Давайте сразу сделаем небольшое упражнение, чтобы то, что я расскажу далее, вам было понятно через ваши собственные ощущения. 

Издайте сирену на "у" от максимально высокого звука и протяните сирену вниз громким звуком. Чтобы найти максимально высокий звук, скопируйте то ,что я делаю на записи. 

На моей записи слышно, как посередине сирены, голос будто срывается, перещелкивается, переключается. Сравните то, что вы слышите в моем исполнении, со своими собственными ощущениями. Они должны быть схожи. Физически это тоже ощущается, как срыв, переход. 

Срыв - определяет границу между разными режимами работы голосовых связок. Их всего два!

То, что до "срыва" - я называю фальцетный голос, то, что после - полный голос. 

Подавляющее большенство современных исполнителей - и мужчины, и женщины - поют полным голосом. А многие владеют и фальцетом, но используют его только в качестве украшений. 

Чем они отличаются друг от друга? В фальцетном пении околосвязочные мышцы вовлекаются с минимальным усилием. А в полном голосе их участие гораздо более ощутимо. 

На записи вы можете постараться расслушать, что фальцетный голос легкий, менее плотный, не напряженный. Полный голос более плотный, мясистый, и более речевой.

Выполняя упражнение выше, вы должны были почувствовать, как легко издаются верхние звуки. Нет никакого ощущения усилия в связках. А после перехода, будто что-то "включается"  или точнее "подключается". Это и есть околосвзяочные мышцы. 

Они заставляют связки смыкаться еще плотнее, еще теснее. Так возникает ощущение бОльшего усилия при пении полным голосом, потому что мышцы работают больше, чем в фальцете.

Отсюда мощь и сила современного пения. Примеры: 

В интернете можно встретить, что то, что я нарекаю фальцетом, называют головным голосом, а то, что у меня полный голос, некоторые называют грудным голосом. Или даже упрощают до того, что говорят "петь головой" и "петь грудью". 

Я очень долго думала, не взять ли мне эти термины и для своей техники. Но есть такие понятия, как головной резонатор и грудной резонатор. Рекомендация "спойте грудным голосом в грудном резонаторе" может сбить с толку... Поэтому названия головной и грудной голос мне не кажутся подходящими.

На канале ютюб в моем видео "о фальцетном голосе у женщин" меня "закидали помидорами" знатоки вокала, потому что у фальцета есть еще одно определение. Фальцетом называют верхний мужской голос, как правило, сиплый и не яркий. Да, я об этом знаю.

Но тут мне тоже не ясна логика. Сиплым голос можно сделать не только наверху, а на любом участке диапазона. И это подвластно как мужчинам, так и женщинам, поэтому, почему фальцет бывает только у мужчин, мне не понятно.

Итак, фальцетный голос и полный голос - это  не про резонаторы и не про мужское сиплое или не сиплое пение. Это про режимы работы связок. 

Иногда еще полный голос называют речевым, потому что, как правило, это тот голос, которым мы говорим. Очень редко встречаются люди (и это в основном девушки), которые говорят фальцетом. 

После многих лет тренировок я могу легко контролировать, каким голосом говорить или петь. Попробую вам изобразить, как я говорю в фальцете и как в полном. Чтобы было нагляднее, я произнесу фразы на разных по высоте нотах. 

Забавно, да?) И, надеюсь, показательно. Первая фраза - фальцет, вторая - полный. 

Здесь, конечно, нужно упомянуть, что проблема - чем петь, фальцетным или полным, чаще всего стоит у женщин. Мужчинам довольно сложно петь фальцетом на средних, а, тем более, низких нотах. Женщинам же под силу натренировать фальцетный голос так, что он будет звучать ярко, пронзительно. Яркий пример тому Жанна Агузарова.  

Кто-то со мной спорил в комментариях на Youtube, что песня выше - это полный голос. Нет, не соглашусь. У фальцетного голоса есть ряд отличий.

Признаки фальцетного голоса:

1. Исполнитель выбирает высокие мелодии, там фальцетный голос раскрывается ярче всего. 

2. Низкие ноты звучат не звонко, более тускло по сравнению с верхними.

3. Верхние ноты звучат очень легко, нежно, без надрыва. 

4. Практически вся песня поется на средних и высоких нотах. 

5. Часто голос похож на детский тембр. (Это, возможно, мое субъективный мнение, но иногда  такой ориентир помогает определить, фальцетное пение или нет)

Мелодия песни Жанны Агузаровой преимущественно высокая, звук легкий, без надрыва, низкие ноты звучат заметно менее ярко. Для меня тембр звучит так, будто поет ребенок. Поэтому я делаю вывод, что это фальцет.

Примеры мужского фальцета:

Признаки полного голоса:

1. Большая часть песни спета на низких и средних звуках.

2. Низкие ноты яркие, звонкие, громкие.

3. Верхние ноты звучат драматично, надрывно. Как правило, высоких нот немного и они присутствуют преимущественно в припеве или в конце песни, в кульминационном моменте.

4. Как вариант, исполнитель вообще не включает в свой репертуар высокие звуки.

Часто именно высокие ноты помогают определить, полным голосом поет человек или фальцетом. 

Вот, как звучит полный голос на высоких нотах:

То есть полный голос (не важно мужской или женский) на очень высоких нотах всегда звучит напряженно, часто как крик, даже как визг. В общем, по звуку (и, кстати, внешне по исполнителю) понятно, что требуется много усилий, чтобы издать его. Поэтому им пользуются редко, и далеко не все вокалисты могут издавать такие звуки.

Нашла для вас интересный пример, где в одной песне исполнитель поет высокую часть мелодии сначала фальцетом, потом полным, сравните:

Полный голос на высоких звуках звучит тяжело и петь им тоже тяжело, поэтому чаще всего современные песни поются в низком и среднем диапазоне нот.  А на очень высоких звуках певец, как правило, переходит на фальцет. Часто это звучит очень красиво. 

Прекрасную метаморфозу фальцета и полного демонстрирует наша, российская исполнительница Анжелика Варум. 

Я всегда думала, что она поет фальцетом. Но относительно недавно услышала песни, которые она спела полным голосом. И это, конечно, небо и земля! 

Сравните сами:Прекрасную метаморфозу фальцета и полного демонстрирует наша, российская исполнительница Анжелика Варум. 

Я всегда думала, что она поет фальцетом. Но относительно недавно услышала песни, которые она спела полным голосом. И это, конечно, небо и земля! 

Сравните сами:

Если вам сложно заметить разницу, включите записи одновременно. Ощущение, что поют два разных человека.

В своих вокальных поисках обнаружение этих двух вариантов пения - фальцета и полного - стало для меня определяющим. Я потратила около пяти лет, чтобы разобраться в этом вопросе. 

Несколько лет я пела в фальцете и пыталась в этой технике добиться мощного звука, но не вышло, так как для этого надо было делать соверешнно другие физические действия.

Сейчас я понимаю, на сколько важно разбираться в этом вопросе. Особенно будущим вокалисткам, что бы не тратить годы на обучение, которое не приведет к желаемому результату.

В "Моя история в примерах" я подробно рассказываю, как мне удалось обнаружить фальцет и полный, как родились эти термины, что мне пришлось сделать и понять, прежде чем я разобралась в вопросе. В книге вы найдете еще больше примеров - аудио и видео, а также подтверждение моей теории врачами-фониаторами и многое другое. 

Читать "Моя история в примерах"

Но самое главное в обучении одновременному владению и фальцетом, и полным - это уметь отличать их физически во время собственного пения. Тогда вы сможете это контролировать и выбирать, чем петь в конкретной песне.

Все последующие приемы описывают работу с полным голосом, а также помогают облегчить работу связок в этом режиме. Не достаточно просто понимать, как перейти в полный голос. Этот режим работы связок дает существетнную нагрузку на горло. Чтобы не навредить голосу и чувствовать себя комфортно в таком тембре, нужно использовать такие приемы, как:

- воздух в звуке;

- жалостливая интонация;

- подача;

- назальность;

- тванг;

- народный звук;

- вибрато.

Об этом и рассказываю дальше.

 Первый вокальный прием, с которого начнем, воздух в звуке.

Этот навык помогает расслабить голос в режиме полного голоса, тембр становится звонче и мягче. Также воздух в звуке объединяет разные вокальные приемы и голос звучит однородно и профессионально.

Как вы, возможно, слышали, уметь дышать – первое, чему учат на уроках вокала. Иногда преподаватель не переходит к пению в течение 1-2 месяцев уроков! Все это время ученика учат певческому дыханию. 

Некоторые преподаватели преподносят обучение навыку дышать животом как основу, базу, залог успеха в пении. Если следовать этой логике, то все профессиональные пловцы, танцоры, да и вообще все спортсмены, автоматически должны быть гениальными певцами! Они прекрасно дышат. Животом :) Но это не делает их вокалистами.

Я до сих пор не могу понять, зачем нужно учиться дышать отдельно от звука?  На своем опыте я убедилась в следующем. Да, дыхание в пение – это важно, но отработка дыхания отдельно от звукоизвлечения не приносит никакой пользы. 

Учиться дышать в пении нужно только вместе с пением!

И это я называю "дышать в звук". На мой взгляд, это выражение максимально точно описывает процесс. Вам нужно и дышать, и петь одновременно, точнее, параллельно. В этом случае надо для себя понять, что выдох – это не звук, это дополнительный воздух, помимо звука.

В современной музыке звук, наполненный воздухом, в моде. Посудите сами:

Воздух более выражен на низких нотах, но и в высоких мелодиях его тоже можно часто расслышать. Обратите внимание на своего любимого исполнителя, замечаете ли вы "воздух в звуке" в его голосе? 

У некоторых исполнителей воздух не так заметен, звук более острый, не такой воздушный. Дело в том, что количество воздуха можно делать разным – от почти незаметного до сильно заметного варианта. Таким образом, одна и та же песня может звучать по-разному. Например, известный хит Алсу "Зимний сон", который она также поет с большим количеством воздуха.

Его можно было бы спеть и менее воздушным звуком. Сравните:

Здесь нет неправильного варианта! Есть более уместный для данной песни. Тембр голоса передает задумку песни не меньше слов. В итоге вы, как исполнитель, умея регулировать дозу воздуха, сами можете решить, какое настроение передать слушателям.

Давайте разберемся, как образуется такой звук и чем регулируется количество воздуха.

Чтобы было понятнее, посмотрим на физиологию. Как вообще получается звук?

1. Вы вдыхаете.

2. Мышцами пресса вы толкаете легкие, и из них выходит воздух (именно этому этапу традиционно больше всего и уделяется внимания, но самое важное случается после).

3. Воздух проходит сквозь связки. Если связки не сомкнулись – это просто выдох, если связки сомкнулись, то получился звук. 

Связки смыкаются за счет околосвязочных мышц. Сами по себе связки не могут двигаться, их двигают мышцы вокруг. Чем плотнее сомкнулись связки, тем меньше воздуха они сквозь себя пропускают и тем более сжатым получается звук. Хотя небольшое количество воздуха они, конечно, пропускают, иначе звука бы вообще не было. Это похоже на свистульку. Связки вибрируют (издают звук) только при наличии проходящего сквозь них воздуха и неплотного смыкания связок.

Да, звук получается именно благодаря выдоху. Но, чтобы понять, что такое выдыхать в звук, я предлагаю разделить два понятия: звук и выдыхаемый воздух. 

Чем больше процент выдыхаемого воздуха, тем менее плотно смыкаются связки и тем более расслабленным получается звук. А если воздуха будет чересчур много, то звук становится сиплым, а иногда даже хриплым. Идеальный звонкий и расслабленный вариант – где-то посередине между сильно сомкнутыми связками и звуком, в котором слишком много воздуха. 

Слышали, наверняка такие выражения: "петь на горле", "петь на связках", "горловой зажим", "вокальный блок" и т.п. Так вот, этот случай на рисунке слева. Когда знаешь механизм работы голосового аппарата, становится понятно, что выражение "горловой зажим" – это вполне буквальное действие: околосвязочные мышцы слишком сильно зажимают связки, а звук на слух воспринимается, как зажатый, сдавленный. 

На фото ниже стрелочками указаны околосвязочные мышцы. Фото не демонстрирует горловой зажим. Привожу его, чтобы вы знали, как они выглядят в реальности. 

Если ваш голос (читай связки) зажат околосвязочными мышцами, расслабить его может выдыхаемый воздух. Даете себе задачу выдохнуть больше, околосвязочным мышцам "придется" расслабиться, чтобы его выпустить, и горловой зажим убирается. 

А что касается варианта крайнего справа (на схеме выше), то нередко при слишком большом количестве воздуха может возникнуть хрип, и снова появляется горловой зажим. Человек может так сильно стараться выдохнуть еще больше воздуха, что могут снова включиться околосвязочные мышцы. Поэтому важно понимать, что выдыхать надо не с усилием, а расслабленно. 

А теперь, давайте подумаем, а кто "правит балом"? Кто решает, сколько воздуха выдыхается? Посмотрите налево, направо, никого нет? :) Вы решаете! Только вы можете управлять своим телом, больше никто. А как вы это делаете? Вы задаете задачу (мысль) –тело выполняет. И чем осознаннее и точнее вы представляете, как спеть, тем лучше тело вас понимает и тем точнее выполняет команду. 

Сочетания выдоха и звука – это самое проблематичное в пении. И проблематичность заключается в том, что вариаций количества выдоха безграничное количество. Вы никак не высчитаете, сколько точно "в граммах" воздуха вам нужно. Грубая логика здесь не работает. 

Поэтому необходимо иметь эталон – расслабленный звук, голос, который вы слушаете внешним слухом, затем отображаете внутри себя (включаете аудиовоображение), затем даете команду телу повторить. И нет смысла отдельно контролировать работу мышц живота. Ваше тело само включает эти мышцы настолько, насколько нужно, в соответствии с вашим "заданием". Тело – очень ответственный работник :)

 Какое задание "начальство" (то есть, ваш ум) ему выдало, то оно и делает. И если вдруг вам не нравится результат, то дело точно не в теле, а в том, кто им управляет ;)

Возможно, вам понадобиться время, чтоб научиться "рулить" и понять, как поставленная вами задача (мысль) соотносится с конечным звуком. Но это решается посредством тренировки. 

В пении вы можете столкнуться с тем, что выдыхать в звук в тексте  (пропевать слоги) гораздо сложнее, чем тянуть гласные. 

Это связано с тем, что:

1. Такие согласные звуки, как Б, В, Г, Д, Ж, З, Щ, при сильном выговаривании создают горловой зажим. 

2. Такие согласные, как С, Ш, Ф, Х, Ц, Ч, Ш, при сильном акценте на них могут прерывать поток воздуха и также создавать зажим. 

Это приводит к тому, что выдыхаемый поток воздуха может стать неравномерным, с толчками, что сразу отразится на качестве и профессиональности звука.

Что можно сделать?

Попробуйте подойти к проблеме так. Согласные - это не препятствия, а окошки, места для выдоха. Это относится к любым согласным. Например:

Помните о том, что выдыхаемый поток воздуха нужно всегда делать равномерным, громко вы поете, тихо, высоко, низко или пропеваете согласные. Поток воздуха не должен о них "спотыкаться"!

Предлагаю вам отработать "воздух в звуке" прямо на сайте. В Базовой вокальной технике это первый практический урок.  Помните о том, что выдыхаемый поток воздуха нужно всегда делать равномерным, громко вы поете, тихо, высоко, низко или пропеваете согласные. Поток воздуха не должен о них "спотыкаться"!

Предлагаю вам отработать "воздух в звуке" прямо на сайте. В Базовой вокальной технике это первый практический урок.  

Это второй по важности прием.

Бывает, что выдыхать в звук не достаточно, чтобы расслабить голос и сделать его звонким.. Например, так:

Иногда выдыхаемый воздух не гарантирует, что ваши околосвязочные мышцы расслабятся.  Это часто происходит от того, что, выдыхая, вы слишком тужитесь, делаете выдох через мышечное усилие. 

Или бывает, что выдыхаемый воздух помогает расслабить голос только на низких нотах. Но как только вы двигаетесь по диапазону выше, зажим может снова появляться. 

Жалостливая интонация помогает:

1. Сделать голос звонче;

2. Спеть выше.

3. Снять нагрузку с горла при пении полным голосом.

 Вспомните, как громко плачут дети! Какие высокие звуки им удается издавать! Так устроено природой: плач – это всегда звонко, а часто и громко и высоко, и все для того, чтобы мама точно услышала, что что-то не так. 

Жалостливый звук – это всегда легкий звук, не натужный, не сдавленный. Он песенный, лиричный, как раз то, что нам надо.

Жалостливая интонация помогает снять напряжение в связках при пении полным голосом, голос будет меньше уставать и звучать более профессионально.

В пении можно использовать этот прием осознанно, при этом добиваться звонкости и легкости в звуке. По сути, вам надо вспомнить, как это – хныкать и жаловаться. Как только вам становится тяжело петь, вам нужно вызвать в голове звуковой образ плаксивой интонации, то есть, опять воспользоваться аудиовоображением. 

Важно делать жалостливую интонацию вместе с выдыхаемым воздухом! Потому что бывает противоположная проблема: жалостливая интонация есть, а выдоха нет. И голос снова зажимается. Нужно учитывать и то, и другое. 

Сравните "натужный звук" и "жалостливая интонация+воздух в звуке":

Возможно, вы находитесь в некотором недоумении от того, что не понимаете, что общего имеет жалостливая интонация с высоким громким голосом, и тем, что обыватель-любитель описывает как "мощно", "сильно", "круто".  Зачем нужно "плакать", если ваша мечта, например, петь рок, и вы не собираетесь "разводить сопли всякой попсой"?

Очень частая ошибка новичка или любителя состоит в том, что, повторяя за исполнителем сложную, громкую, высокую мелодию, он слышит только эту самую "мощь", "силу", децибелы, и пытается передать своим голосом ТОЛЬКО ЭТУ мощь, силу и децибелы. Игнорирует наличие жалостливой интонации, точнее не замечает ее, не придает ей значения. Итог – крик. Зажатый, неприятный на слух, может быть, и громкий, но тяжелый как для исполнителя, так и для слушателя.

Я не знаю, почему так, но в основе песенного звука, особенно громкого, всегда лежит жалостливая интонация. Да, она может трансформироваться и перерастать в мощный звук, как река перетекает в море, но основа его всегда – жалостливая интонация. 

Подслушала у одного американского преподавателя вокала, Бретта Мэнинга, прекрасную фразу, которую часто использую на уроках: no cry – no height, что переводится, как "нет плача –нет верха" Я бы даже дополнила "нет плача – нет верха, нет силы, нет песни". Умение плакать как условие силы –парадокс :)

В качестве примера приведу вам песню Полины Гагариной. Послушайте внимательно, как голос от слова к слову в первом куплете, а затем от первого варианта припева ко второму перерастает из жалобно-плаксивого звука в мощный звук. Варианты отличаются подачей и силой выдоха. Об этом чуть позже. Но сначала главное уяснить для себя, что без жалобной интонации вы таким звуком спеть не сможете.  Попробуйте разглядеть, расслышать, как с добавлением мощности и громкости жалостливая интонация никуда не девается. Даже во втором припеве она есть! Возможно, вы бы этот звук уже не назвали жалобным, скорее это "мощное страдание", но у любого страдания один исток – жалостливость и плаксивость. 

Проигнорировав эту особенность вокального мастерства, вы рискуете не петь, а кричать. Рискуете уставать сами и мучить слушателя. Но более всего рискуете вообще не суметь издать мощный звук. 

Как вы можете догадаться, прежде чем переходить к мощному звуку, необходимо создать у себя привычку к жалобной интонации. В 95% случаев для человека не совсем очевидно, что петь –это, прежде всего, немножечко страдать :)

В начале своих вокальных открытий я никак не могла понять, почему кому-то аудиовоображение и копирование звука дается легко, а кому-то очень сложно. Возникали мысли типа "кому-то один способ, кому-то другой". Но способность копирования звука – это самый быстрый способ научиться петь. Это объективно. Что может быть проще и быстрее, чем просто взять и повторить звук? Без словесных объяснений, картинок, образов и шаманских танцев. 

А чаще всего мешают комплексы. Даже невнимательность к звуку – это тоже про психологию. Быстрый ритм современной жизни, переключение с одной задачи на другую создает внутреннюю нервозность, и, как следствие, неспособность расслабленно сосредотачиваться на чем-то. 

Ну а когда взрослому мужчине, который пришел на урок вокала, я предлагаю "поныть", он начинает неловко улыбаться, нервно хихикать и все-время говорит, как глупо, он, наверное, выглядит. И дело оказывается не в том, что он физически не может это сделать, совсем нет, ему просто стыдно, неловко издавать жалостливый звук. 

Мне бы очень хотелось когда-нибудь соединить аудиовоображение и работу с психологическими блоками. Но это когда-нибудь потом :) 

А сейчас могу посоветовать следующее. Если вы чувствуете стеснение или сопротивление к подобным рекомендациям, попробуйте не принимать это на свой личный счет. Я не предлагаю вам жаловаться буквально и всерьез :) Изобразите жалостливую интонацию, как актер.  Отнеситесь к ней, как к инструменту, нейтральному, но полезному. 

Если детский плач вызывает слишком много чувств, можно воспользоваться мяуканьем. Это единственное, что я взяла в свой арсенал из звукоподражания животным. 

Этот звуковой образ невероятно доходчиво объясняет, что такое жалостливая интонация. 

Да, да, помяукайте прямо сейчас! Сделайте это плавно, вальяжно, тягуче. А затем перейдите с мяукания на слог "ма" и сделайте сирену, сохраняя "мяучную" интонацию. Например, так:

Вот именно такую интонацию следует применять, когда вы хотите издать жалостливый звук. 

Давайте в рамках только книги попробуем издать жалобный звук без мелодий.  При прочтении теории важно хотя бы немного пробовать издавать звук самостоятельно. Так вы будете гораздо лучше понимать словесные объяснения.

Я буду издавать разные гласные звуки с жалостливой интонацией, а вы старайтесь скопировать меня. Я буду делать это вместе с выдохом. Возможно, сконцентрироваться и на выдохе, и на интонации будет сложно. Тогда отдавайте предпочтение интонации. Когда она станет для вас привычной, вспоминайте про дополнительный выдох!

По моему опыту, ученики делятся на две категории: те, кому проще петь "А", и те, кому проще петь "И". То есть, либо человеку проще издавать гласные звуки, где нужно открыть челюсть, либо, где закрыть.

Вы можете сами в этом убедиться, что какой-то из этих звуков вам дается легче. Часто это связано с высотой голоса. 

Если голос высокий, то легче поется "И", а звук "А" может получаться недостаточно звонким. В этом случае следует петь "А" еще более жалостливым голосом и очень аккуратно подавать в нее воздух.

Если голос низкий, то легче поется "А", а звук "И" может выходить натужно, на горловом зажиме. В этом случае сделайте больше акцент на дыхании, попробуйте добавить еще больше воздуха и, конечно, не забывайте про жалостливую интонацию. 

Звук "У" вызывает сложность почти всегда. Как правило, он выходит натужнее и глуше, чем остальные гласные звуки, т.к. это максимально закрытый гласный. Чтобы его произнести, вы закрываете челюсть и сжимаете в трубочку губы. Для выхода звука вам остается лишь маленькое отверстие. Если ваш "У" получается глухим, сделайте больше акцент на жалостливой интонации, затем аккуратно подайте воздух. Также будет звонче, если вы постарайтесь немного улыбнуться. Да, звук "У" не самый удобный для улыбки, но попытка растянуть губы может существенно облегчить звук и сделать его звонче. 

Ну, и рассмотрим "О" и "Э". С ними могут возникнуть проблемы у низкого голоса. "О" и "Э" могут получаться грубыми, тяжелыми, вызывать горловой зажим. В этом случае обязательно усиливайте жалостливую интонацию! Делайте эти гласные еще более песенными и лиричными, чем остальные.

В любом случае, если возникают сложности, это либо воздух, либо интонация. Если вам тяжело петь, задайте себе два вопроса:

1. Выдыхаю ли я дополнительный воздух в достаточном количестве?

2. Делаю ли я жалостливую интонацию?

Этот вокальный прием помогает:

1. Спеть громче

2. Спеть выше

Объяснять вокальную технику – это очень сложно. Потому что ничего из объясняемого нельзя увидеть глазами. Мы не видим звуки, и чем эти звуки издаются. Большая часть нашего инструмента – связки, легкие, полости рта – скрыты от нашего глаза. 

Но попытаться визуализировать процесс пения может оказаться очень полезным. В вопросе громкости голоса визуальное воображение – хорошее подспорье. А в тандеме с аудиовоображением – так и вообще прекрасно!  

Подача - это мысленное желание отправить звук дальше от себя. Иногда еще это называется "выводить звук вперед".

Визуально представьте, как воздух выходит из вашего тела, проходит через связки, и образуется звук. Давайте условно назовем это струей звука. Струя, как и любой поток, имеет направление. Она течет из одной точки в другую, это не озерцо и не болото. Представьте эти две точки. Одна точка находится у вас в животе, другая в 20-30 см от вашего рта.

Вы отправляете струю воздуха из живота, через горло, и она попадает ровно в точку 2. Очень важно направлять звук дальше, чем ваши губы. То есть, не пойте на уровне губ, пойте дальше них, вперед. 

Если вы делаете правильно, то вы инстинктивно подадите корпус вперед, и ваш взгляд тоже будет устремлен в невидимую точку 2. Это будет означать, что все ваше внимание сосредоточено на выведении звука вперед.

При этом важно пускать в звук воздух и сохранять жалостливую интонацию, без них, только направляя звук вперед, вы рискуете перейти на крик.

Крик = подача - (воздух в звуке + жалостливая интонация)

Громкий песенный звук отличается от крика именно наличием воздуха и жалостливой, или по-другому, лиричной, песенной интонацией.

Начните с придыхательной атаки, начинайте звук плавно и жалостливо, и только после этого задавайте вашему звуку направление вперед. 

Сравните на контрасте (осторожно, сейчас будет громко :) :

Заметьте, на сколько сдавлено звучат первые варианты и на сколько более плавные и воздушные вторые. 

В этом примере наглядно представлено, что может произойти, если вы пользуетесь режимом полного голоса, но не выдыхаете в звук и не делаете жалостливую интонацию. Полный голос часто требует подачи на верхних нотах. Но без дополнительных вокальных приемов это чревато зажимами.

Если у вас есть возможность попробуйте сами сделать тоже самое - прокричать гласную на разной высоте, а затем пустить в звук воздух, задать направление, изобразив жалостливую интонацию. Обычно на контрасте хорошо осознавать, как лучше и красивее.

Почувствуйте, что чем мысленно сильнее вы стремитесь к точке 2, тем громче звук. И чем дальше точка два, тем громче ваше пение:

Задавать воздуху направление вперед с большей или меньшей интенсивностью можно сравнить со скоростью. Громкость звука определяется скоростью струи. Чем быстрее поток, тем громче звук. Чем медленнее, тем он тише. Как и в любом устройстве, чтобы увеличить громкость, нужно больше усилий. В этом случае затрачивает усилия пресс. 

Запомните, звук – это поток, он должен иметь направление, движение из одной точки в другую. Важно сделать точку 2 приоритетом, целью. У вас должно быть стремление направить струю в нее, тогда ваш живот включится автоматически. Чем громче вы пытаетесь петь, тем сильнее напрягается живот. 

Но не фиксируйте ваше внимание на животе, фиксируйте его на невидимой точке 2.  В противном случае, вы рискуете просто сжимать мышцы живота, тужиться… Это может приводить к напряжению не только в животе, но и в шее, горле.  Не отвлекайтесь от звука. Наоборот, звук должен быть для вас на первом месте. Мысленно представляйте, какой тембр вы хотите получать, концентрируйтесь на задаче, а не на действии! Это очень важно. 

Представление о том, как ведет себя ваше тело, какие мышцы включаются в работу, – полезное дополнение, но не основной инструмент в обучении вокальной технике! Самое главное – это внимательное слушание и аудиовоображение :)

Прежде чем двигаться дальше, давайте сделаем небольшой срез по тому, что уже разобрали. Ваша задача расслышать все вокальные приемы, что мы уже разобрали:

Вопрос "как спеть выше", наверное, самый популярный из всех в вокальной технике. 

Я не отношу эту способность к вокальному приему, но позволю себе выделить этот вопрос в отдельную главу, так как он интересует всех без исключения.

Чаще всего именно высокие мелодии создают сложность в пении, но они же вызывают больше всего чувств и подчеркивают драматизм песни. А так как пение – это почти всегда выражение чувств, то без умения петь выше не обойтись.

Здесь уместен вопрос. Выше чего? Выше вашего обычного речевого диапазона. Ваша речь – это тоже мелодия, хоть и обрывистая. Она тоже имеет высоту – ноты. Чаще всего спокойная речь – это диапазон 5-7 нот. Конечно, диапазон этих нот у каждого человека свой. Кто-то говорит более высоким голосом, кто-то менее. 

Ваш речевой диапазон – это далеко не весь ваш возможный диапазон. К счастью, в подавляющем большинстве, человека можно научить петь и ниже, и выше. И исходя из моего опыта, любому голосу подходят одни и те же рекомендации. 

Чтобы спеть выше нужно:

 Сделать еще более жалостливой интонацию + пустить в звук еще больше воздуха + еще больше направить звук вперед:

Давайте разберем эту формулу по пунктам.

В формуле выше я особенно выделяю более жалостливую интонацию. Отсутствие плаксивости в голосе на высоких нотах – это почти 100% вариант горлового зажима. 

На мой взгляд неспособность изобразить плаксивую интонацию - это проблема психологического характера. Я очень четко прослеживаю эту закономерность у учеников. 

Больше всего проблем с высокими нотами у мужчин. Причем, чем он брутальнее, тем сложнее ему учиться высоким нотам. Либо это часто случается с мужчинами, чья работа требует быть всегда собранным, ответственным, серьезным. Более охотно изображают плаксивую интонацию женщины, но если она работает на ответственной или руководящей должности, требующей максимального контроля за эмоциями, то ей тоже сложно учиться петь высокие ноты.

Многие не позволяют себе проявлять страдание вовне. Причины могут быть разные: суровое детство, социальный запрет на слезы (у мужчин, например), обесценивание горестных переживаний, типа "раскисать – это неэффективно, невыгодно, некогда". Но всем это нужно, иначе переполнение и депрессия неизбежны. Часто я думаю, что люди стремятся петь именно поэтому, чтобы хотя бы в этом процессе дать волю своим сердечным переживаниям. Они интуитивно чувствуют, что это приносит облегчение. 

Когда я рассказываю, что чем выше, тем жалостливее, то все время вспоминаю аналогию с чакрами. Если вы в теме, то, наверное, знаете, что энергия поднимается от нижних чакр к верхним.  

Интересное совпадение: восходящая мелодия и восходящая энергия. 

За умение сострадать отвечает сердечная чакра, которая находится в области груди. Если у человека она блокирована, то ему сложно плакать, проявлять (показывать) горе, сочувствовать другим. Умение переживать эти состояния – важная часть человеческой души, и если человек не позволяет себе быть сострадающим, то энергия в его теле течет несвободно. Тогда про человека могут говорить, что он жесткий, твердый или даже "железный". Неспособность выражать горестные чувства может приводить к депрессии или тоске. А в нашем конкретном случае с пением – к неумению брать высокие ноты. Ведь, чтобы это сделать, придется "ныть, "страдать".

Пение – это социально-приемлемая, одобряемая форма страдания. Мне так кажется…

Так к чему я? Пострадайте! :) Ну, или хотя бы изобразите страдание, как актер. И чем выше поднимается мелодия, тем страдайте больше! Вы, на самом деле, уже все умеете и знаете. Нужно позволить этой энергии течь и, как следствие, проявиться в вашем голосе. 

Попробуйте в мужском вокализе ниже расслышать жалобную, страдальческую интонацию при повышении мелодии. 

Вы можете сказать: "Ну, как? Разве веселых песен не бывает? И что тогда? И в веселой "страдать?" Да :) Поэтому я и говорю, страдание – это инструмент, просто способ взять более высокую ноту. Можно не воспринимать это буквально. Конечно, если песня лирическая, то сделать жалостливую интонацию подсказывает сам текст и минорная мелодия. Но если песня грустная, несмотря на темп, скорость или мажорность мелодии, жалостливую интонацию нужно оставить, чтобы чисто технически справится с высокими нотами. 

Сравните две песни. Одна грустная медленная, страдальческая, другая быстрая, веселая, танцевальная. Но жалостливая интонация на восходящих мелодиях присутствует и в одной, и в другой. 

Чем выше нота, тем больше натяжение связок. 

Низкая нота

Высокая нота

Чем больше натяжение связок, тем сложнее околосвязочным мышцам расслабиться и пропустить воздух. 

Поэтому очень частое явление, когда на верхних нотах поток дополнительного воздуха значительно меньше (уже), чем на низкой части мелодии. Ему сложнее "пройти" сквозь плотные связки.

Это также может случиться и на громкой части мелодии, когда вместо того, чтобы добиться громкости с помощью бОльшего выдоха, человек напрягает околосвязочные мышцы, и струя воздуха прерывается, сужается. 

Поэтому очень важно, чтобы поток воздуха был всегда стабильным вне зависимости, поете вы выше или ниже, громко или тихо.  

Чтобы избежать сужения воздушного потока, когда вы поете восходящую мелодию, вам нужно как будто выдохнуть еще больше воздуха, чем до этого.

Компенсировав нехватку воздуха в месте подъема мелодии, вы добьетесь того, что поток воздуха, в целом, будет стабильным, равномерным. 

Я называю это "воздушной подушкой" или "петь на воздушной подушке". Она должна быть стабильной и не сдуваться, что бы вы ни пели. Как пляжный надувной матрас: вы не утонете только при одном условии, если в нем всегда будет воздух. 

Чем выше нота, тем больше натяжение связок. 

Низкая нота

Высокая нота

Чем больше натяжение связок, тем сложнее околосвязочным мышцам расслабиться и пропустить воздух. 

Поэтому очень частое явление, когда на верхних нотах поток дополнительного воздуха значительно меньше (уже), чем на низкой части мелодии. Ему сложнее "пройти" сквозь плотные связки.

Это также может случиться и на громкой части мелодии, когда вместо того, чтобы добиться громкости с помощью бОльшего выдоха, человек напрягает околосвязочные мышцы, и струя воздуха прерывается, сужается. 

Поэтому очень важно, чтобы поток воздуха был всегда стабильным вне зависимости, поете вы выше или ниже, громко или тихо.  

Чтобы избежать сужения воздушного потока, когда вы поете восходящую мелодию, вам нужно как будто выдохнуть еще больше воздуха, чем до этого.

Компенсировав нехватку воздуха в месте подъема мелодии, вы добьетесь того, что поток воздуха, в целом, будет стабильным, равномерным. 

Я называю это "воздушной подушкой" или "петь на воздушной подушке". Она должна быть стабильной и не сдуваться, что бы вы ни пели. Как пляжный надувной матрас: вы не утонете только при одном условии, если в нем всегда будет воздух. 

Бывает, что есть и жалостливая интонация, и воздух в звуке, но высокая нота так и не дается. Тогда это может быть связано с недостаточным посылом звука вперед.

Направление звука – это ваше намерение, желание отдать звук вовне. А что это значит? Что будет, если вы отдадите звук? Вас заметят :) В нашем случае – услышат. Ведь высокие ноты, как правило, громкие. И почти всегда невозможность "отдать звук" связана со страхом спеть слишком громко, так громко, что это услышат другие. Ох, уж эта психология!

"Быть громким" в нашей культуре часто осуждается.  Ведь "я – это последняя буква в алфавите". С другой стороны, быть собой, быть заметным, быть ярким, особенным – это то, в чем нуждается, наверное, любой человек. И это нормально. 

Отдать свой звук вперед, вовне, проявиться в мире – это, конечно, бывает страшно. Но оно ведь того стоит, правда?

Я, конечно, не тешу себя мыслью, что я напишу пару фраз, и вы сразу перестанете бояться, но кое-что сделать можно.

Позаботьтесь о себе! Найдите комфортные условия для занятий пением. Дождитесь, чтобы дома никого не было или попробуйте арендовать специальное помещение для занятий вокалом. Наедине с собой позвольте себе быть громким, заметным, отдать свой звук, проявиться.

Точно так же, как с воздухом, чем больше мелодия идет наверх, тем больше должно быть ваше намерение спеть вперед. Тем более дальнюю от себя точку вы должны представить. 

Иногда это еще называют "спеть с подачей" или просто "подача". Не пойте себе под нос, отдайте звук вперед слушателям!

По моим наблюдениям вопрос "Как развить вибрато" почти такой же популярный, как "Как спеть выше". 

Вибрато - самый популярный вокальный прием в пении. На слух это звучит, как волнообразоное движение звука, своеобразное плавное дрожание. Как правило, вибрато применяется в конце фраз на длинных тянущихся гласных. Давайте послушаем, как оно звучит у разных современных исполнителей:

Как образуется вибрато?

На мой взгляд, в создании вибрато больше всего задействована гортань.  

Во время вибрато гортань быстро смещается вверх-вниз, из-за этого и возникает волнообразных звук. Иногда к гортани подключается челюсть - тоже начинает делает небольшие колебание вверх-вниз. Иногда подключаются мышцы пресса - толчкообразные движения (такое вибрато еще называют диафрагмальным). 

Если гортань хорошо расслабленна и может создавать вибрато, небольшое включение в процесс челюсти и пресса не кажется мне криминальным. 

Но если вы издаете вибрато только челюстью или прессом, то все ваше тело начнет трястись. В этом случае, вы не сможете добиться большой скорости вибрато, да и выглядит это не слишком привлекательно. 

Что касается меня, вибрато появилось само в возрасте 8 лет в процессе занятий вокалом в музыкальной школе. Никаких специальных упражнений я не делала. Поэтому столкнувшись с отсутствием вибрато у взрослых учеников, я призадумалась, не зная, как помочь.

Я прошерстила интернет и нашла некоторые упражнения. Протестировала их на учениках, появились еще свои идеи. Далее оставила в арсенале 3 на мой взгляд самых действенных и выложила их на youtube. Если вы его не видели, посмотрите, пожалуйста, чтобы дальше было понятнее:

Итого:

1. Украинское гха

2. Тише-громче

3. Истерический смех или "барашек"

Все эти способы призваны "расшевилить" вашу гортань, которая и создает вибрато. Эти упражнения ни раз себя оправдывали в работе с учениками, также я получила большое количество позитивных комментариев в самом видео.

Но!

В последние годы своего преподавания, когда я усиленно внедряла идею "воздуха в звук" и "жалобной интонации", я заметила, что вибрато стало появляться у учеников самостоятельно, без доп. упражнений. И мне стало понятно, что дело в расслаблении гортани. 

Тоже самое случилось со мной в детстве, мне не нужны были дополнительные упражнения, потому что мой голос развивался без зажимов.

Еще одно доказательство в пользу расслабленной гортани -  быстрее всего вибрато развивается у новичков, кто никогда не занимался пением.  Их горло, как правило, не обременено никакими привычками, в том числе и плохими. Те, же кто уже заработал себе горловой зажим неправильным подходом в пении, осваивают вибрато тяжело и долго.

Хотя встречались новички, которые даже при условии нулевого опыта, тяжело поддаются наработке вибрато. Но тут есть закономерность, подтверждающая мою теорию: такие ученики уже имеют зажатый речевой голос. В следствии  привычки говорить зажато, в их голосе мало воздуха, человеку не свойственна жалобная интонация в речи, диапазон скудный. Затем эти речевые привычки переходят и в пение (рабочий орган то один и тот же).

 Зачем нужно вибрато?

1. Наличие вибрато расслабляет голос. Даже, если голос чуть зажат, вибрато будет способствовать расслаблению, так как без него вибрировать очень сложно. 

2. Сделать тембр голоса более приятным на слух. Так как вибрато - признак расслабленной гортани - этот факт интуитивно считывается слушателями. Воспринимать долгую тянущуюся гласную без вибрато тяжелее, чем с ним. Сравните сами:

3. Объединяя первые два пункта - вибрато считается признаком профессионального голоса, так как это свидетельство расслабленного и приятного тембра. 

4. Вибрировать звуком проще, чем статично тянуть ноту, особенно длинную. Может быть, до того, как вы научились делать вибрато, вам кажется этот факт странным. Но, освоив этот прием, вы поймете, что статика для гортани тяжелее, чем подвижность. 

Получается, чтобы развить вибрато, можно идти двумя путями:

1. Приводить гортань в движении с помощью специальных упражнений, игнорируя отсутсвие расслабленности горла.

 Да, это возможно, но опыту могу сказать, что  без воздуха в звуке и жалостливой интонации вибрато звучит напряженно. Трудно и исполнителю, потому что надо шевелить и так зажатой гортанью, и слушающему, которому передаются все эти экстра усилия через звук.

2. Заниматься расслаблением гортани через воздушность и мягкость тембра, и, как следствие, получить подвижную гортань. 

Мне кажется, что можно объединить оба пути, дополнив один другим. А именно: освоить воздух в звуке, жалобную интонацию, подачу, а затем применить упражнения для вибрато. 

Сейчас я вообще не занимаюсь развитием этого приема, пока не услышу, что голос расслабился. Как бы ученик не просил меня поскорее перейти к вибрато :) Бывают такие торопыжки. 

Этот вокальный прием помогает: 

1. Сделать звук звонче

2. Сделать звук громче.

3. Спеть выше.

4. Облегчить работу связок в режиме пения полным голосом. 

Часто российские преподаватели ругают назальный призвук. В то время как зарубежные исполнители, наоборот, часто поют довольно назально:

В последнее время назальный призвук в голосе стал модным и среди русских исполнителей. Показываю в виде видео, чтобы вы обратили внимание, что и внешне заметна назальность: ноздри раздуваются, рот прикрывается, в намерении отправить звук больше в нос. Конечно, это длится не всю песню, а только в некоторых моментах. особенно в обоих вариантах назальность наглядна в куплетах:

Слышно, как мягко, по кошачьи звучит голос с назальным окрасом. 

В современном тембре звука назальность играет крайне важную роль. С помощью назальности петь в режиме, когда вовлечены околосвязочные мышцы, легче в разы! 

Тембр, в котором присутствует назальность, всегда звонкий и пронзительный.

Более того назальность чисто физически дает ориентир, куда надо направлять звук, - собственно в сторону носа :) За счет этого и получается сделать звук звонким и громким.

Возможно, их нелюбовь к назальному звуку кроется в двух причинах:

1. Им не привычен назальный призвук.

Русский язык - горловой, английский (например) - назальный. То есть для нашего языка назальный призвук в речи - не самое естественное звучание. 

Назальный речевой вариант звучит странно...Возможно, преподавателям, кто против назальности  кажется, что и в пении этот прием неуместный, некрасивый, а главное не привычный. То есть, если сказать прямо, это их личное эстетическое "нравится-не нравится". 

2. Они боятся, что даже небольшое вовлечение назальности сделает звук гнусавым.

Лично я разделяю эти понятие. Назальность делает звук звонче, но при этом он не теряет своих других красок, гнусавость же -лишает голос низких частот, из-за чего он звучит почти неузнаваемо по тембру. Хотя и это я не отношу к разделу "плохо". Возможно, некоторым  такой тембр покажется неприятным на слух,  но этот звук не вредит голосу, а значит имеет право существовать.

Послушайте пример гласной А от гнусавого варианта до звука, практически лишенного назальности. Сбалансированный вариант где-то на середине записи:

Сбалансированный назальный звук - и есть жалобная интонация, что мы разбирали выше. В ней нет ощущения явной назальности.  Но в таком примере - от большего к меньшему - слышно, как похожи жалобный и назальный звуки.

Найдя жалобную интонацию, можно играть звуком, добавляя или убирая назальность, тембр будет слегка меняться, мерцать разными оттенками и слушать его будет интереснее. 

Звук может выходить либо через рот, либо через нос. Сильно поднятый корень языка делает звук гнусавым, сильно опущенный корень языка практически лишает звук назальности, а соотвественно и звонкости. 

Сбалансированный вариантй - когда корень языка поднят не сильно, средне. В этом случае звук выходит наполовину через рот, наполовину через нос.

Как же понять, на сколько нужно поднять корень языка?

На слух. 

Язык -  мягкая мышца, имеющая огромное количество вариантов движений. Поэтому прямой контроль за ней - утопическая идея в обучении пению. Необходимо взять эталонный звук и скопировать его. В этом случае корень языка поднимется на столько, насколько нужно для данного звука. 

Лучше всего назальный прием звучит на средних и средне-высоких звуках. Внизу, больше вероятности перейти в гнусавость, а совсем наверху, звук становится плоским. Судите сами:

Важно понимать, что назальный призвук - это только одна краска. Все современные исполнителей, примеры которых выше, не используют назальность всю песню. Они играют многими приемами: где-то больше воздуха в звуке, где-то чуть более жалобно, где-то менее, где-то назальнее, где-то совсем нет. В итоге песня выткана будто разными нитками, слушается разнообразно и динамично.  

Осваивать назальный прием стоит с чуть более утрированного варианта, чтобы было проще понять, как образуется такой звук. Позже вы научитесь играть этим приемом, добавляя или убирая его во время пения так, как лично вам кажется уместно и красиво. 

В своем подходе я пропогандирую идею взращивания своего личного вкуса. Преподаватели вокала, которые против назальности - это такие же люди, как мы с вами. Они имеют право на свое эстетическое предпочтение. Но не справедливо, что основываясь только на своем вкусе, они лишают своих учеников выбора, называя что-то правильным или нет .

 Все хорошо и все правильно, пока вам физически комфортно - не хочется кашлять, не першит и не болит горло. Все остальное- дело вкуса. Вашего вкуса, а не чужого! Помните об этом!

Важно понимать, что назальный призвук - это только одна краска. Все современные исполнителей, примеры которых выше, не используют назальность всю песню. Они играют многими приемами: где-то больше воздуха в звуке, где-то чуть более жалобно, где-то менее, где-то назальнее, где-то совсем нет. В итоге песня выткана будто разными нитками, слушается разнообразно и динамично.  

Осваивать назальный прием стоит с чуть более утрированного варианта, чтобы было проще понять, как образуется такой звук. Позже вы научитесь играть этим приемом, добавляя или убирая его во время пения так, как лично вам кажется уместно и красиво. 

В своем подходе я пропогандирую идею взращивания своего личного вкуса. Преподаватели вокала, которые против назальности - это такие же люди, как мы с вами. Они имеют право на свое эстетическое предпочтение. Но не справедливо, что основываясь только на своем вкусе, они лишают своих учеников выбора, называя что-то правильным или нет .

 Все хорошо и все правильно, пока вам физически комфортно - не хочется кашлять, не першит и не болит горло. Все остальное- дело вкуса. Вашего вкуса, а не чужого! Помните об этом!

Этот вокальный прием помогает:

1. Сделать звучание верхних звуков более мощным

2. Снять нагрзку с вокальных связок в режиме полного голоса

Тванг - это продолжение темы назальности. Тванг - это назальность + поднятое мягкое нёбо. Последнее делает звук более круглым, добавляет низких частот, отсюда ощущение большей басовости звука, несмотря на назальность и высоту звука. 

Яркие примеры:

На видео заметно визуально, как исполнительницы отправляют звук больше в нос, но при этом в тембре прослеживается характерная для тванга округлость.

Довольно много современных исполнителей пользуются этим приемом, но часто это может быть незаметно. Потому что мягкое нёбо - это что? :) мягкая мышца! И вариантов ее вовлечения может быть много. Демонстрирую на гласной:

То есть от очень-очень заметного - до почти не заметного. 

Назальность - обязательное условие тванга. Если вы просто поднимите нёбо, то получите, скорее, академический звук:

Помимо округления тембра, работа мягкого нёба снимает нагрузку со связок. Это происзодит пототму, что поднятое мягкое нёбо увеличивает пространство во рту, звук резонирует больше, за счет этого приходится меньше прикладывать усилий в горле. 

Также как и назальность, тванг лучше всего звучит на средних и средне-высоких звуках. Это, конечно, мое субъективное мнение :) Послушайте сами и сделайте свой вывод:

Внизу звук глухой, и лишь к средним и верхним нотам раскрывается его круглота и звонкость.

Я рекомендую вам освоить этот прием. Он действительно облегчает работу голосового аппарата. Необязательно пользоваться им на максимуме, но умение слегка поднять мягкое нёбо и добавить назальности сделает процесс пения в полном голосе значительно легче. 

Думаю, именно поэтому часто зарубежные исполнители имеют такую долгую вокальную карьеру. Они часто пользуются и назальностью, и твангом, соотвественно, и голосовой аппарат выдерживает большие нагрузки, не портится.

Например, западный рок исполнитель Bon Jovi. Голос до сих пор в отличном состоянии:

Обратите внимание, что везде, где есть назальность и тванг, рот отрывается не слишком широко, чуть вздуваются ноздри, звук идет в нос, но при этом в нем есть и звон, и ширина. 

Я поставила прием народного звука почти в самый конец, потому что он один из самых сильных по нагрзуке на связки. Но он же один из самых популярных, востребованных, эффектных оттенков звука в современном вокале. Давайте послушаем:

Этот вокальный прием помогает:

1. Создать мощный окрас

2. Спеть громче 

Однажды я застряла в лифте, и умение петь народным звуком помогло очень быстро привлечь внимание людей снаружи :))) Этот звук действительно очень пробивной, громкий. При звукозаписи этого вокального приема перенастраивают чувствительность микрофона, потому что иначе приборы трещат от мощности. 

Народным я его называю потому, что это тот тембр, которым поют русско-народные песни. Вот небольшая видео нарезка. Сравните тембр, народных исполнителей и то, как воплощают этот прием современные певцы:

Обратите внимание, что современные исполнители пользуются им только как приемом, то есть не везде, а выборочно, как правило растягивая последние гласные фраз. В то время как, народные исполнители поют этим звуком всю песню. 

Народный звук часто требует открывания челюсти и чуть подачи головы наверх. Очень люблю приводит в пример начало этого видео, знаменитого хита. Певица начинает мелодию с  У - это фальцет (звучит очень похоже на академический вокал), далее идет пение полным голосом народным звуком. Вокалисты все, как один, открывают челюсти и подают голову слегка наверх:

Открытая челюсть и поднятие головы чуть наверх - физиологическая необходимость для народного звука. Довольно сложно передать этот окрас, не делая этих движений. Поэтому, если сомневаетесь, как делает звук какой-то исполнитель, посмотрите видео с живого выступления. Народный звук почти всегда выдает себя внешними характеристиками, описанными выше. 

Из этого проистекает и особенность его использования. Открытая челюсть не дает проговаривать большое количество текста, не дает возможности спеть И или У, они превращаются в Ы и О (как кстати, у Лепса в видео выше). Гласная А также перестает быть А, начинает походить на Э. Также звук этот издается на максимальном сжатии околосвязочных мышц, и не дает возможности спеть тихо и мягко. 

Все это говорит о том, что этим приемом стоит пользоваться дозировано, и в определенных местах:

1. Концовки фраз, распевая гласные

2. Кульминационный момент - для придание большей эффектности и силы момента. 

3. Распевать больше такие согласные, как О и Э. Или же сознательно деформинорвать И, У, А - отдавая предпочтение эффектности тембра, чем читабельности и понятности текста. 

Здоровье связок здесь так же диктует свои правила. Народный звук - один из самых агрессивных к голосовому аппарату. Я раньше грешила большим количетсвом этого звука в песнях и почти всегда имела результат - уставший, севший, осипший голос. 

Поэтому я рекомендую вам пользоваться этим приемом только чередуя его со всеми вышеперечисленными. Пользуясь то одним, то другим вокальным приемом, задействуются разные мышцы гортани, рта, по разному вовлекаются околосвязочные мышцы. И голос устает меньше. Так же как в спорте, однообразная нагрузка на одну какую-то мышцу - более опасна и травматична, чем работа многих мышц, сменяющих друг друга. 

Существенно облегчает работу связок в народном звуке - добавление воздуха в звук. Послушайте народный звук почти без воздуха в звуке и с воздухом:

При отработке этого навыка будьте особенно внимательны  к своим ощущениям. Если вы никогда так не пели, голос может уставать по началу. Как только почувствовали усталость или появились неприятные ощущения, прервите занятие, вернитесь к нему минимум минут через 10-15. 

Этот вокальный прием - мой любимый, потому что в нем я до сих пор развиваюсь! 

Мелизм - это мелодия, спетая на гласном звуке в быстром темпе. 

Послушайте мелизмы у разных исполнителей:

Прием сложный, доступен, как правило, уже довольно продвинутым вокалистам, которые имеют расслабленную и подвижную гортань, пользуются воздухом в звуке и жалобной интонацией.

Чтобы получить высокую скорость и не потерять отдельность каждого звука, необходимо совершать движение гортанью, как бы немного дергать ею. 

Сравните, мелодия спетая почти слитно, без выделений гортанью и с выделением:

То есть отличие мелизма в том, что каждую ноту отчетливо слышно. В обучении учеников я перехожу к мелизмам только когда они умеют делать вибрато. На мой взгляд, именно оно является залогом успеха в освоении мелизмов.

Мелизм отличает быстрая скорость, ведь мелодию можно пропеть в разном темпе:

Иногда мелизм пытаются спеть, дергая челюстью. Так же, как с вибрато, этим можно создать иллюзию мелизма. Но, как и в случае с вибрато, работа только челюстью вам не поможет. Будет слышно, а еще и видно, что петь вам такое тяжело.

У меня есть предположение, что челюсть просто не обладает способностью к такой скорости, как гортань. Челюсть массивнее, имеет большую кость внутри, двигать ею в мелизме, может и помогает, но только в относительно медленном темпе. В быстром - она уже не справляется с задачей. 

Я опять-таки избегаю называть что-то правильным, а что-то - нет. Пока прием не вредит организму, он не может быть не правильным. В данном случае челюсть - просто не на столько эффективна, как гортань. 

При извлечении мелизма гортанью, наоборот, хочется прикрывать челюсть, кажется, что так гортанью управлять проще. 

Есть преподаватели, которые  считают, что челюсть должна быть неподвижна совсем. Я избегаю быть на столько категоричной. Если основная нагрузка кладется на гортань, небольшое вовлечение челюсти, не критично. Так же, как с вибрато. Если челюсть не мешает скорости мелизма, то я допускаю, что она может быть немного в движении тоже. 

Какой алгоритм в освоении мелизма я советую:

1. Сначала необходимо убедиться, что в вашем тембре есть воздух, что звук расслаблен.

2. Далее начните осваивать вибрато. Добейтесь хотя бы не очень быстрого вибрато, затем можно продолжать развивать его параллельно с мелизмами. Одно будет продвигать другое. 

3. Убедитесь, что мелодия выбранного мелизма вам по силам, то есть, что вы попадаете в ноты. Если оказалось, что дело в фальши, посвятите некоторое время развитию навыка попадать в ноты и лишь после этого возвращайтесь к мелизму. 

4. Осваиваете мелизм от медленного темпа к быстрому, каждый раз убеждаясь, что вы не фальшивите мелодию, что каждая нота звучит отдельно. Только в этом случая повышайте скорость. 

Будьте готовы, что прием требует времени, иногда очень много времени. Некоторые мелизмы, которые состоят из 8-10 нот, оседают в моей голове только через год...Столько времени нужно моему мозгу, чтобы скоординировать и попадание в ноты, и темп такой длинной мелодии. Но зато после такого опыта, следующий длинный мелизм требует уже меньше времени - 2-3 месяца. 

В любом случае, это того стоит, на мой взгляд, это один из самых красивых приемов. Будьте терпеливы и добры к себе, все непременно будет! :)

Послушайте этого замечательного маленького певца и найдите, все, что мы уже разобрали: воздух в звуке, жалобную интонацию, назальность, тванг, народный звук, вибрато и мелизмы. Тут есть все :)

Прием применяется довольно часто в современных песнях. 

Для чего используется:

Срыв - украшение, помогает добавить драматизм или просто выделить участок мелодии.

Как образуется такой звук?

Путем быстрого переключения режимов работы связок: полный-фальцет-полный или фальцет - полный. 

Обычно я объясняю этот прием так: издайте в фальцете такой высокий звук, который вообще физически можете и выдохните в него много воздуха, затем резко перейдите в полный голос. Важно выйти из фальцета резко, а не постепенно! 

Демонстрирую образование этого звука:

Немного этот прием напоминает йодль:

Отличается тем, что йодль - это когда часть мелодии пропевается в фальцете. А в срыве фальцетная часть практически не заметна.

Намеренный срыв голоса - не самый обязательный вокальный прием. Но он вносит разнообразие в ваше пение и демонстрирует слушателю, что вы легко управляете своим голосом.

Это самый, на мой взгляд сложный, трудозатратный вокальный прием. Есть вокалисты, которым он не дается совсем. Мне, к сожалению, тоже удается сделать его через раз и только при очень хорошем физическом самочувствие - я выспалась, горло полностью здоровое. В то время как, все приемы выше я могу исполнять даже с недосыпа и имея кашель. 

Поэтому себя в качестве идеального эталона предложить не могу. Рассказываю, то, что знаю, и то, что работало на мне и учениках.  

Белтинг - это крайние высокие ноты, спетые полным голосом. По характеру звука напоминает крик, но все-таки им не является. Звук писклявый, слегка похож на детский, тембры и женские, и мужские становятся схожими. Послушайте примеры:

При белте горло становится очень узким, околосвзочные мышцы работают на пределе. 

Очень немногие российские исполнители могут издавать такой звук. Но примеры есть:

Заметьте, что исполнители используют белтинг в очень маленьких количествах, только для усиления кульминации. 

Я думаю, что этот конкретно прием связна с физиологическими возможностями конкретного человека. Когда я пробовала осваивать этот прием на некоторых учениках, замечала, что одни идут туда значительно легче других. Мне кажется в белте важны и физические данные, и вокальная техника. И бывает, что даже применяя вокальную технику, прием не дается. 

Я думаю, что белтинг- это продолжение народного звука, то есть пение верхних нот при максимальном включении околосвязочных мышц. То есть, если народный звук - это средние, средне-высокие ноты, то белтинг - это только высокие ноты:

у женищин белт начинаются от ре/ре диез второй октавы;

у мужчин - от соль/соль диез первой октавы. 

Прием требует широко открывать рот, в чем так же схож с народным приемом. Поэтому его используют либо только на гласной, либо жертвуют читабельностью текста в пользу приема.

Пример русской исполнительницы, которая применяла белтинг еще в советские годы!

Слово "стена" - дважды спета белтом.

Крайне важно следить за своими ощущениями при освоении приема, идти в него очень аккуратно. При малейшем дискомфорте следует сделать паузу. 

Еще раз повторюсь, что не считаю себя продвинутой в этом приеме, так как еще развиваюсь в нем. Мне удается перейти в него на гласном звуке, но сложно удерживать эту позицию в тексте.  Возможно, через како-то время, я стану понимать в вопросе больше. и перепешу эту главу. Пока же делюсь упражнениями, которые работали на мне и на учениках.

Крайне важно при работе над этим звуком иметь помещение с достаточным эхом или возможность петь в микрофон, желательно с обработкой в виде эхо (ревер).  

Если звук не будет иметь достаточный резонанс от стен (собственно, эхо), вы рискуете перейти на крик и можете навредить голосу. Или же можете вообще не суметь спеть белтингом.  

В пении белтингом есть такой противоречивый момент: на слух это крик, но усилий в нем (подачи, струи воздуха), на самом деле, не так много. Есть сжатие околосвязочных мышц, но при этом нет супер сильного выдоха. В этом случае крайне важно, чтобы вы хорошо себя слышали, тогда у вас не возникнет желания, спеть громче, чем нужно и не станете много дуть воздуха.  

Если же помещение глухое, вам будет казаться, что звук не достаточно громкий, тогда при пении белтингом вы с большой вероятностью будете стараться больше выдохнуть и перейдете на крик.  

Вообще, акустика помещения для занятий и то, как хорошо вы себя слышите важна не только для пения белтингом, но и в целом для занятий пением. Об этом рассказываю далее.  

Мое субъективное видение ответа на этот вопрос: 

1. Умение издавать все вышеперечисленные оттенки звука или хотя бы большенство из них.  

Если раньше манера конкретного исполнителя ограничивалась очень скудным набором вокальных приемов, то современная вокальная тенденция такова: разнообразное вокальное звучание.  

Как и в современном кино: чем больше динамики, тем больше сюжет цепляет зрителя.  

Современный слушатель настолько пресыщен разнообразием исполнителей, что его нужно постоянно удивлять, развлекать, держать его внимание всю песню. Это возможно только, если вы постоянно меняете окрас голоса. 

2. Умение быстро переключаться между звуковыми приемами. 

В процессе обучения можно заметить, что даже умея извлекать все оттенки звука по отдельности, довольно сложно переходить из одного положения горла в другое быстро. На выработку скорости уходит некоторое время, нужно быть к этому готовым. 

3. Умение сочетать звуковые приемы. 

Это способность чувствовать, какой вокальный прием подойдет конкретному участку мелодии. Хоть я и придерживаюсь мнения, что неправильного варианта не бывает (пока вам комфортно петь), но есть все-таки чисто эстетические законы, которые считываются даже непосвященными слушателями.  

Народный звук не пойдет для задумчивого начала, фальцет не передаст драматизма концовки, отсутсвие назальности в речитативе может "сдуть" динамику.  

Умение чувствовать, когда и как петь приходит с опытом. Чем чаще вы слушаете себя со стороны, тем больше вам будет понятно, что уместно, а что нет.  

Часто под громкостью голоса понимаются только децибелы. Хотя, каждый, даже не музыкальный человек понимает, что громкие звуки могут быть разными. Громкость - это тоже тембр. Послушайте разные варианты громкого звука - жалостливый, назальный, народны, тванг, фалцует, крик:

Если понравившийся вам голос громкий, то параллельно с окрасом "взрастет" и громкость. Децибелы создаются из частот звука. Разный набор частот дает разный окрас, хотя громкость при этом может быть одинаковая. 

В этом, кстати и состояла моя главная ошибка в копировании техники Сета Риггса. Да, можно было спеть громко таким голосом, но тембр был совсем не тот, который я искала. То есть, не осознавая тембр, вы рискуете прийти к нежелаемому результату.

Также, если вы циклитесь только на децибелах, появляется большая вероятность перейти на крик, сдавленный голос. 

Я часто это замечала. Предлагая скопировать тембр в громкой части мелодии, ученик воспроизводил эту громкость, но при этом игнорировал окрас, и получалось не правильно, тяжело, не технично. 

Если тембр полетный, звонкий, приятный на слух, то копируя тембр, вы копируете и вокальную технику, то есть то, КАК делается этот звук.  Громкость же добавится автоматически. 

Другой вопрос, если вы копируете уже сдавленный голос, как у некоторых рок вокалистов. Например, это может звучать так:

Имейте в виду, что перенимая такой способ воспроизведения звука, вы можете навредить голосу. Хотя, надо сказать, данный исполнитель не поет так всю песню, делает это только в конце, все остальное поется, как говорят рок вокалисты, чистым голосом:

То есть, прежде чем использовать крик в своем пении, нужно научиться петь звонким, правильным тембром.

Ориентиры того, что выбранный вами звук - технически верный, то есть, не вредящий голосу:

1. В голосе есть звон.

2. Голос приятно слушать.

3. У вас не возникает слухового ощущения, что поющему очень тяжело петь. Часто горловой зажим передает ощущение дискомфорта слушателям через тембр звука. 

4. Исполнитель имеет долгую вокальную карьеру, при этом голос его не испортился, не стал хриплым или сиплым. Это важный показатель. Правда, тут надо еще учитывать, нет ли у исполнителя плохих привычек: курение, наркотики, алкоголь. Потому что это также может портить голос. 

Могут ли физические задатки ограничивать громкость или диапазон?

Я считаю так: громкость - нет (если голос здоров), диапазон - да. 

Если у вас низкий голос, высокие ноты вряд ли когда-то станут для вас такими же простыми, как для тенора. И они будут звучать по другому. 

Очень показательный пример - песня из известного мюзикла "Нотрдам". Начинает песню бас - низкий мужской голос, продолжает баритон - средний мужской голос, третий, кто вступает, - тенор - высокий мужской голос.

Заметьте, как напряженно идет наверх бас, и как легко тенор. Как баритон сочетает в себе и опору низа, и мягкость верхних звуков. И окрас у голосов очень разный. Это позволяет каждому голосу быть уникальным, творить свою красоту, свою историю. А как феерично все три голоса поют концовку! Как один тембр дополняет другой! Высоко и низко - это не про хорошо и плохо, это про разнообразие. 

Не спешите расстраиваться, если вы не дотягиваете высокие ноты, как тенор или что у вас нет столько низа в голосе, как у баса. 

Я считаю, что каждый голос можно развить так, что он будет звучать красиво в своем диапазоне нот.  Ну, и что что вы споете песню ниже? Или выше? Послушайте, как красиво каждый исполнитель спел песню:

Пение - это не спорт. Хоть, об этом и часто забывают. Пение - это про красоту, про выражение чувств. Если вы споете красивым тембром, если вы тронете им сердца слушателей, никто из низ и не подумает обвинить вас, что вы не спели песню в оригинальной тональности. А если и подумает, то это значит, что красота голоса - не главная ценность этого человека.  

Красота ведь не только и не столько в супер высоких нотах. Ярчайший пример Sade!

Она не поет особенно высоко, не поет особенно громко, но воздух в звуке, расслабленный приятный тембр, интересная мелодия, красивая музыка, сделала эту певцу очень востребованной и популярной.

Если же говорить про громкость, ее можно добиться в своем диапазоне нот любому здоровому человеку. 

Я не знаю ни одного тихого младенца :) Не знаю ни одного ребенка 4-5 лет, кто бы хоть иногда не несся по детской площадке с визгом и криком, от которого закладывает уши :). Может, этот факт не кажется вам доказательством возможности сделать любой голос громким в пении, но для меня это так. Громкое говорение и громкое пение - создается одними и теме же органами речевого аппарата. Только в пении вы это делаете более осознанно, специально. Вопрос остается только один, что мешает конкретному взрослому человеку издавать громкий звук? 

Из своего опыта я вижу две проблемы:

1) Страх издавать громкие звуки. Я показываю звук, разжевываю во всех деталях нюансы, и вижу, как глаза ученицы округляются от волнения, что сейчас надо сделать вот так громко...

2) Невнимательность к тембру, неспособность вычленить окрас. Человек не боится спеть громко, но это у него выходит сдавленно и зажато.

И то, и другое "лечиться" многократным слушанием эталона и повторением за ним. 

В первом случае, человек через какое-то время понимает,  что громко петь - безопасно. Эталон (преподаватель или исполнитель, который громко поет), как бы говорит своим пением: "Смотри, мне можно петь громко, значит, и тебе можно! Я поддерживаю тебя!". Иногда, на уроке, мы начинаем петь вместе с учеником, и лишь потом он решается издать громкий звук самостоятельно.

Для случая с невнимательностью многократное повторение за эталоном взращивает чуткость слушания. Человек, наконец, улавливает особенность тембра и может ее повторить. 

Замечаете, как важно в обоих случаях иметь эталон и повторять за другим голосом? Ни первая, ни, особенно, вторая проблема не может быть решена через словесное описание звука!

Еще интересна другая, чисто физиологическая вещь: громкость появляется там, где идет порог ваших физических возможностей. 

Те высокие ноты, которые для вас сложны физически - будут вашими самыми громкими. 

Например, если вы бас, то сложность с высокими нотами у вас будет начинаться от ля-си малой октавы в полном голосе. И в этом месте голос уже будет начинать звучать драматично и громко. 

У тенора же в этом месте еще не будет сложностей, и голос его будет звучать спокойнее и тише. 

Женский пример: девушка с задатками альта(низкого голоса) начнет испытывать сложности с высокими нотами уже на соль-ля первой октавы, а сопрано будет звучать все еще мягко и тихо в этом месте. 

Что это значит, если перевести на простой язык?

Это значит, что одна и та же песня, спетая разными по типу голосами будет звучать громко и драматично в разных по высоте тональностях. Это полезное знания для выбора высоты песни. Если вы хотите спеть громко и драматично, вам нужно учитывать, какой у вас голос - высокий или низкий. 

Если в оригинале песня поется высоко (исполнитель имеет высокий голос), а у вас, скажем, голос низкий, тогда, вы можете не взять оригинальной тональности, но добиться того же эффекта громкости и драматичности ВАШИМ голосом сможете ниже. 

Конечно, расширять диапазон нужно и можно. Это дает больше свободы в пении. 

Почти всегда диапазон среднего ученика, кто приходит учиться с нуля можно расширить на 5-6 нот вниз и на 6-7 вверх. В полном голосе! А в фальцете еще на 10-12 нот вверх. Итого вы спокойно можете иметь примерно 2,5 октавы рабочего диапазона: полный голос + фальцет. 

Что важно в расширении диапазона? Ваш физический комфорт.

Ориентируйтесь на свои ощущения. 

Если вам физически комфортно брать ноты не своего природного голоса, то и замечательно. Я придумала такое понятие - деланый бас, деланый тенор, деланый альт, деланное сопрано. Это значит, что, если  вы по природе, например, бас, то вы можете научиться брать ноты диапазона тенора. Эти звуки не будут звучать, как у тенора - легко и полетно, они скорее будут драматичные и напряженные, но брать вы их будете. 

Или, наоборот, можно расширить границы диапазона вниз. Например, я - сопрано. Но за годы работы с мужчинами, я часто пыталась показать (спеть) мелодию в мужском диапазоне нот. В итоге, я так хорошо натренировалась опускать гортань, что могу взять ноты альта! Не скажу, что это очень удобно физически, но такое пение не приносит мне никакого дискомфорта в горле:

Но не заиграйтесь! Всегда следите за ощущениями.  Если появляется кашель, боль, тяжесть в области горла, то это точно значит СТОП! Если у вас даже при применении вокальной техники, ну, никак не получается петь высоко, как тенор или низко, как бас, не насилуйте себя и не отчаивайтесь! Бывает, что техника делает свое дело, и голос приспосабливается. Но бывает, что - нет.

У меня есть и тот, и другой опыт. Есть среди учеников деланый тенор, который берет ноты гораздо выше своего природного диапазона, и все ок. А есть тенор, которому издавать низкие звуки баса не комфортно для горла, и мы работаем с тем, что дано природой. 

Менять тональность песни, петь чуть ниже или выше оригинала - не катастрофа. Катастрофа, если в своих пределах вы не имеете развитого голоса. 

К тому же большинство современных песен - это средний диапазон. То есть тот, который можно и нужно развивать!Не бывает голоса, красоту которого раскрыть невозможно!

Можно обучится приемам и навыкам в своем пределе нот и пользоваться ею! Этим я и занимаюсь в своем подходе.

Я разбила вокальную технику на составляющие - приемы, умения. И могу научить распознавать эти звуки на слух и копировать их. 

Таким образов, у вас будет набор навыков - палитра - которой вы будете пользоваться, как захотите. В своем пределе нот :)

Я хочу научить вас слушать свой голос, не пугаться его, формировать его, как скульптор. 

Я хочу научить вас ориентироваться в тембрах и не бояться браться за любой вокальный прием. Потому что почти любой звук можно разобрать на палитру (составляющие), примерить его на себя и решить, берете вы эту краску или нет.

Немаловажную роль в том, насколько тяжело или легко петь громко и даже вообще петь, играет акустика помещения, где вы занимаетесь. Чем глуше помещение, тем петь труднее. Даже если вы делаете все правильно: дышите в звук, делаете жалобную интонацию и т.п.!

Отличным примером глухого помещения является современный автомобиль. Причем, чем качественнее авто, тем, как правило, глуше салон. Либо если у вас небольшая комната, обставленная мягкой мебелью, на окнах висят плотные шторы, на полу или на стене – ковёр, такое помещение тоже будет довольно глухим, и петь в нем будет тяжело. 

Напротив, в ванной комнате, где, как правило, стены покрыты плиткой, петь бывает легко и приятно. Почему так? 

Потому что звук, когда выходит из ротовой полости, имеет свойство отражаться (отталкиваться) от поверхностей помещения, в котором вы находитесь. Чем больше звук отражается, тем лучше вы себя слышите. В усиленном варианте мы называем это эхом. Собственно, только за счет отражения звука от поверхностей мы и можем услышать свой голос. 

Это доказывается экспериментом: если помещение полностью обшить звукопоглощающими покрытиями (безэховые комнаты),  то сколько бы вы ни кричали, вы не услышите свой голос. Это крайний вариант, конечно, и, кстати, довольно стрессовый, говорят, от долго пребывания в такой комнате можно сойти с ума! Но в реальных условиях, не созданных специально человеком, такого не бывает. 

Однако, если помещение подглушено (обивкой или мебелью), вы не будет получать достаточного отражения звука от окружающих поверхностей.

Чем это плохо для пения?

Тем, что вы интуитивно станете делать гораздо больше усилий, чтобы "услышать" свой голос, что очень часто ведет к лишнему вовлечению околосвязочных мышц, то есть, к зажиму. Если по-простому, то в глухой комнате гораздо больше вероятности перейти на крик, причем вы этого можете даже не заметить. 

В автомобиле 

Да, в смысле изоляции от других людей автомобиль был бы идеальным вариантом для занятий вокалом, но имейте в виду, что, скорее всего, в нем вы поете на гораздо большем мышечном усилии, чем нужно. Как следствие: голос устает быстрее, и вы запоминаете неправильные мышечные ощущения, что затем может перерасти в привычку петь на горловом зажиме.

В ванной 

Имейте в виду, что помещение с сильным эхом – это тоже плохой вариант. Сильное эхо также способствует тому, что вы плохо себя слышите, но на этот раз сложность в том, что вы слышите себя неразборчиво: звуки эха накладываются друг на друга, и получается "каша". 

Нужна золотая середина :)

Подходящие варианты

 Я советую вам походить по квартире и попеть в разных местах. Найдите место, где, по вашим личным ощущениям, вам поется легко, и при этом вы слышите себя разборчиво. Например, хорошим вариантом может быть угол стены (ничем не обитый) или положение, сидя за столом, чтобы можно было петь "в угол между стеной и поверхностью стола". Часто помогает просто подойти к ничем не обитой стене, и вы уже будет замечать эффект небольшого эха. В этих случаях звук будет хорошо отражаться от поверхности, и вы легко себя услышите. Соответственно, будете делать меньше мышечных усилий, меньше уставать, и звук будет более правильный. 

Репетиционная точка 

Если петь дома не вариант по причине наличия неблагосклонных соседей, можно поискать специальные места, где можно громко петь. Например, репетиционные точки (репетиционные базы), помещения, где репетируют музыкальные группы. Как правило, комнаты в них обиты специальным звукоизоляционным материалом. Поэтому петь без микрофона в таких помещениях тяжело. Я не сторонник того, чтобы новичок сразу начинал тренироваться петь в микрофон. Я считаю, что сначала нужно привыкнуть к своему звуку без искусственного усиления. Но если вы выбираете вариант занятий в таком месте, то тогда, конечно, лучше петь в микрофон, без его помощи в такой глухой комнате вы 100% станете прикладывать больше мышечных усилий, чем нужно. Плюс такого места: там, наконец-то, можно расслабиться и не бояться гнева соседей, не стесняться родственников и целиком направить свое внимание на занятия. 

Вокальный класс 

Совсем идеальное место – это "вокальный класс" или "класс для занятий вокалом". Как правило, стены в нем не звукоизолируют так сильно, как на репетиционной точке, и там есть небольшое эхо, вы хорошо себя слышите без микрофона. При этом такие комнаты стараются расположить подальше от скопления людей, звукоизолируют дверь и внутреннюю часть стен так, что вы можете психологически расслабиться и петь громко. 

В любом случае, где бы вы ни занимались, будьте внимательны к своим физическим ощущениям. Как правило, легко можно заметить, что петь "тяжело", если обращать на это внимание. 

Почему это важно?

Если вы плохо себя слышите и "подкрикиваете", то никакая вокальная техника не поможет это исправить. Все ваши правильные попытки не увенчаются успехом просто потому, что вы себя не слышите в достаточном количестве. Условия пения важны не меньше, чем ваши собственные усилия в этом деле. Имейте это в виду! 

Ориентир хорошего места для занятий: вы хорошо себя слышите, вам физически и психологически приятно петь, ваше горло не устает от долгого пения. 

1. Если у вас болит горло, отложите занятия до полного выздоровления. Даже если у вас просто насморк. Активное использование голосового аппарата может дать обострение, и болезнь может распространится на горло.

Имейте в виду, что ларингит, фарингит и тонзилит могут давать сиплый тембр голоса в течении 2-3 недель после того, как симптомы уже прошли.

2. Если у вас ничего не болит, но в обычной речи ваш голос звучит сипло или хрипло, стоит отложить занятия пением и посетить фониатора. Это специальный врач, который занимается лечением вокальных связок. Если фониатора в вашей больнице нет, то хотя бы лора, он тоже может посмотреть связки. Сипы и хрипы в речи могут свидетельствовать о хроническом вялотекущем заболевании. Занятия вокалом в таком случае, во-первых, могут обострить состояние, во-вторых, просто не принести никакого результата, потому что голос не выдерживает нагрузки, "не слушается".

Если врач сказал, что связки в порядке, это значит, что осипший голос - речевая привычка, вокальная техника может это исправить.

3. Критически дни у женщин обычно считаются не благоприятными для занятий вокалом. Лично я ориентируюсь на свои ощущения. Чаще всего я все-равно пою, но даю себе скидку, что голос может не справляться с очень высокими или громкими звуками. В этом случае стараюсь петь спокойные песни, отрабатывать несложные для горла приемы, типа невысоких мелизмов.

4. Голос может быть "не в форме" особенно на фоне бессонной ночи или хронического недосыпа, а так же сильной физической усталости. Сон и отдых - крайне важные условия, чтобы голос звучал хорошо и мог развиваться. Петь и заниматься, конечно, можно, но результат может быть значительно хуже, чем если бы вы занимались отдохнувшими и выспавшимися. 

5. Если у вас профессия, в которой приходится много говорить, то сделайте перерыв между работой и занятиями вокалом, хотя бы час-два. Долгое говорение - такая же интенсивная нагрузка на связки, как и долгое пение. Необходимо устраивать себе отдых, чтобы голос восстановился. 

6. Эмоциональное состояние также влияет на звучание голоса. Сильный страх, злость, стресс, плач,  депрессия также могут делать голос сиплым, не послушным. Хорошее настроение - важный элемент успешных занятий.

7. Если вы сорвали голос криком, то самый эффективный способ восстановится - долгое молчание (1-3 дня).

8. Перед занятием вокалом нельзя есть семечки, орехи, шоколад, молочку. Эти продукты могут оседать на связках, от чего появится желание прокашляться во время пения, голос может срываться, выдавать "петухи". 

Голос - это ваш инструмент, в том смысле, что он является непосредственно частью вашего организма. Я призываю вас относится к нему бережно, не насиловать, если чувствуете дискомфорт, боль или желание кашлять. Барабанщик бьет по барабану, гитарист по струнам гитары, и, если их инструменты выйдут из строя, они купят себе новые. А если из строя выйдет ваш голос, заменить его будет невозможно. Поэтому вокалист должен быть самым требовательным и капризным участником музыкального процесса. Это нормально, это хорошо и полезно для него лично, хоть может и раздражать окружающих :) Заботьтесь о себе! Хорошая вокальная техника, хорошее помещение для занятий, хороший сон, отдых, еда, настроение -это все важно и нужно, чтобы петь красиво и долго! И пусть у вас будет именно так! :)