Содержание:

1. Препятствия
2. По преподавателям
3. Период пения в академической манере. Техника Сета Риггса
4. Народное пение?
5. Успех - это количество попыток
6. Визит к преподавателю русско-народного пения
7. Добро от фониатора
8. Два режима работы связок
9. Все в народном
10. Что-то пошло не так
11. Полный голос - рождение термина
12. Немного википедии
13. Моя лопата
14. Остальной алфавит: назальность, воздух, жалобная интонация, филировка звука, 
15. Секретный ингредиент
16. А как же уникальность голоса
17. Итого: мои термины
18. Про меня: концовка истории

Прежде, чем начать свои вокальные поиски, я пела так, как мне было дано от природы. Без фишек и особенностей. Такой средненький, на мой взгляд, ничем не примечательный голос. Я была ограничена своими данными и не знала, что голос можно менять, формировать, взращивать так, как хочется. Но, честно сказать, тогда я мало задумывалась о том, как это исправить. Я не знала почти ничего о вокальной технике и полагалась только на свои умения, причем никак их не развивала. Я пела в музыкальном коллективе и сочиняла песни "под себя". Когда придумываешь удобные мелодии, не приходит в голову, что у голоса есть недостатки. Прикрепляю запись своего первого музыкального коллектива. Эх, как давно это было :)

Особенно посредственно и жалко мне давались верха. В данной песне это слышно. Нет, это, конечно, не ужасно. В ноты я попадала, не слишком высокие мелодии вытягивала, иногда удавалось случайно попасть в красивый тембр голоса. Более того, нехватку моих талантов компенсировала отлично придуманная и сыгранная музыка. Мне везло с музыкантами. У нас даже были поклонники. Мне и в голову не пришло бы, что что-то не так, пока однажды не случилось оно - препятствие. 

Мне понравилась одна песня, которую я захотела перепеть. Но вот же незадача: самая высокая часть припева мне никак не давалась. Это была песня группы Paramore "All I wanted was you", где в припеве во втором повторе солистка вытягивает очень высокую ноту. Аккуратно, сейчас будет громко :)

Вот эта концовка после слова you... Мне она так нравилась, ну, так нравилась! Я пробовала и так, и эдак, но голос срывался, не слушался, выдавал петухи. Было досадно. 

В первый раз в жизни я почувствовала свои вокальные границы так остро и болезненно. Так, наверное, чувствует себя большинство людей, которые не умеют петь. Да уж, неприятно. 

"Да, как же так?! - думала я, - Эта девчонка может, а я - нет!" 

Закралось сомнение, а так уж ли хорошо я пою... Впервые после окончания музыкальной школы в детстве мне захотелось пойти к преподавателю вокала. 

Тогда я просто хотела научиться петь одну высокую громкую ноту. Но я и представить не могла, что эта, как мне казалось, несложная задача превратится в такой долгий и увлекательный путь, который изменит мою жизнь. 

Я и не мыслила, что в итоге не только поменяю свою вокальную технику (причем не один раз) и осознаю свое звучание, но и буду настолько хорошо разбираться в звуках, что смогу учить других! 

Да, самообучение пению изменило мою жизнь и отношение к пению и музыке. 

Но давайте обо всем по порядку. 

Итак, мне надо было научиться петь эту высокую громкую ноту, и я пошла по преподавателям. 

Я выбрала самых что ни на есть дипломированных - выпускников вокально-джазового отделения консерватории Санкт-Петербурга. 

Один давал такой основной совет: "Давай, Катя, громче! Ты можешь, ты можешь!"... Хотя сам аналогичных мужских нот он не брал...

Другая пожимала плечами и говорила: "Петь таким голосом и так высоко - это дар от природы, если изначально его нет, то можно не пытаться даже, не выйдет". 

Хорошо, что я человек сомневающийся :) Я ей не поверила. В тот момент у меня вообще закралось сомнение, хорошее ли у нас профессиональное вокальное образование... На уроках с этими преподавателями было много слов, очень много слов о том, как это должно звучать, но при этом никакой конкретики в плане звука. Преподаватели не показывали звук, они его бесконечно описывали словами или просто критиковали, где и что я не так делаю. 

Единственным, что я от них вынесла, была теория - надо дышать. Надо дышать животом! 

Ух! Меня просто бесит это умопомешательство на том, что самое главное в пении - это научиться дышать... Как будто весь успех зависит только от этого! Если бы это было так, то все профессиональные пловцы, танцоры и вообще спортсмены, были бы гениальными певцами! Они прекрасно дышат. Животом :) 

Я поняла, что на специально обученных преподавателей надеяться особо не стоит :( Мне пришла мысль, что люди, которых берут в музыкальные училища - это уже талантливые от природы певцы. В учебных заведениях их учат нотной грамоте, петь в хоре на несколько голосов, может быть, слегка улучшают тембр или учат петь чуть выше или чуть ниже, но их точно не учат с нуля и не меняют их навыки кардинально. Если бы они не умели петь совсем, их бы вообще не взяли на обучение. На то в таких заведениях есть вступительные экзамены. Даже смешно, чтобы тебя взяли учиться петь, тебе уже надо уметь это делать! :)

И мне пришла в голову отличная и логичная идея: надо просто найти того, кто умеет, не важно есть образование или нет, и спросить, как он это делает. И я нашла. Это была вокалистка-любитель. Да, она могла спеть эту ноту мощно и высоко. И на мой вопрос: 

"Ну, как, как ты это делаешь??" 

Был такой ответ: 

"Понимаешь, нужно делать это из нижних рёбер, почувствуй, что звук идет как бы оттуда!"

"Что? Из рёбер? Это как?  Может, корень языка опускаешь? Или что-то делаешь с мягким нёбом? А в горле какие ощущения? Что ты делаешь во рту?" 

"Во рту? Не знаю, не задумывалась, я не могу описать. Попробуй положить ладони на задние ребра и почувствовать звук оттуда". 

В общем...

Такой подход тоже оказался бесполезным для меня. Это были очень субъективные ощущения лично этого вокалиста, никак не связанные с моей реальностью. Для меня уводить внимание в ребра означало совсем "оторваться" от процесса пения. 

Я опустила руки, был соблазн принять вещи, как есть - я не могу. Но мысль о том, что можно петь лучше, прочно засела и сверлила мне мозг.

И я подумала: "Ах, да! Есть же еще интернет!"

И решила поискать там.  

Я стала бороздить интернет и нашла вокальную технику Сета Ригса "Пение в речевой позиции". Это очень популярная, расхваленная в сети техника. В качестве рекламы этой методики в описании говорится, что по этому методу занимались Уитни Хьюстон и Майкл Джексон. Ну, кто ж не хочет, как Уитни Хьюстон?! Я с жадностью заглотила теорию и упражнения, которые, благо, были переведены на русский. Однако, почти сразу поняла, что звук, которым поет женщина в упражнениях, какой-то другой совсем, не такой, каким я пела в группе. 

 Тогда я еще подумала: хм, странно, не похоже на Уитни Хьюстон... 

Слышите, какой легкий звук в первой аудиозаписи, очень похоже на академический голос. А во второй записи тембр плотный, насыщенный, драматичный. 

И, уж это точно, тембр в упражнениях Риггса не имеет ничего общего с эпическим тембром Paramore...

Жаль, что меня эта несостыковочка не смутила еще тогда :( 

Голос в упражнениях техники Риггса был очень похож на то, как меня учила петь в хоре моя первая учительница по вокалу - академическим звуком. Мне тогда было лет 9. Людмила Викторовна по-настоящему привила мне любовь к пению, и я ей за это очень благодарна! Но она настаивала, что академическая техника - это единственно правильная. Меня это всегда удивляло. Если она единственно правильная, то почему же большенство современных артистов поют по-другому? Когда я приходила домой и включала радио, исполнители пели голосом, который не имел ничего общего с тембром на хоре. 

И этот звук мне нравился. Я брала расческу (вместо микрофона), вставала у зеркала и пела, как бог на душу положит, подстраиваясь под голос исполнителя, копируя его, не следя за тем, академическим голосом я пою или нет. Со временем я стала замечать, что пою совсем не так, как на хоре. И такой звук мне нравился больше. Потом я закончила музыкалку, и академическое звучание, которому меня учили, совсем забылось. 

Получается, что, осваивая технику Риггса, мне нужно было снова вспомнить ощущения того, как я пела в хоре, и развивать эти способности. Я не придала значения сомнениям по поводу того, что Уитни Хьюстон поет, на мой взгляд, по-другому. Авторитет известного преподавателя задавил мою интуицию, и я подумала, что, наверное, это я что-то еще не понимаю, что со временем такой академический голос как-то должен перерасти во что-то более мощное. У Уитни Хьюстон же получилось, если верить рекламе :) И я перестроилась, стала петь в этой а-ля академической технике.

Я занималась и занималась. Занималась и занималась. А мощи всё не было... Я пыталась петь таким голосом современные песни, но звучало, как пародия. 

Вы можете видеть мое разочарованное лицо в конце, потому что должно было получаться вот так:

Как мне неловко выкладывать это видео сейчас! Но я хочу, чтобы вы могли услышать и понять, что техника решает многое. То, куда вы идете учиться и к кому, то, каким звуком он учит вас петь - это важно. Нужно, чтобы тембр, окрас звука, который вы пытаетесь повторить, были именно такими, какими вы хотите в итоге петь. 

А не так, что "мне не нравится звук, которым поет преподаватель/певец из упражнения, но, может быть, у меня получится по-другому". 

Часто преподаватели говорят, что самое главное - поставить академический голос, а уж потом добиваться из него мощного звука современных песен. На мой взгляд, это очень долгий путь, и не факт, что он приведет к нужному результату. Конечно, академическая манера пения развивает голос. Но почему бы сразу не учиться петь тем звуком, которым хочется? 

Тем более, должно вызывать подозрение, когда у вас даже близко не получается издать такой звук, какой вы хотите, в течении месяца, двух, пол года (!). Я, к сожалению, осознала, что двигаюсь совершенно не туда, только спустя полтора года...

И это был настоящий кризис. Я не только не стала петь лучше, я стала петь хуже! Перестроившись на новую технику, я стала забывать,  как пела раньше. У меня началась депрессия. Мне перестало доставлять удовольствие мое пение. 

Я пыталась петь этим голосом свои песни. На что музыканты говорили: "Кать, может, ты лучше будешь петь, как раньше?.."

Да, можно было бы вернуться к своему прежнему тембру голоса, но, сменив технику, я не то что не научилась петь высокую громкую ноту, из-за которой все началось, я вообще стала сомневаться, что хорошо пою, что понимаю, что делаю и чем. Мне категорически перестал нравиться мой голос в каком бы то ни было варианте :( Я осознала, что тембр можно менять, что петь можно по-разному! Но как его менять? Куда я двигаюсь? "Как раньше" уже было нельзя, а нового я не создала и даже не знала, как это сделать...

Я подумала, что лучшее, что могу сделать, это перестать петь, заняться чем-то другим...

В то время, параллельно с вымучиванием силы из техники Риггса, я увлекалась творчеством американской певицы Риана. Помните, крутили такую песню по радио:В то время, параллельно с вымучиванием силы из техники Риггса, я увлекалась творчеством американской певицы Риана. Помните, крутили такую песню по радио:

Эла - эла - э - э - э... Входя в раж, забывая все эти а-ля Риггсовые правила, я подпевала припев и вдруг заметила, что выходит у меня как-то очень похоже на Риану. Звук совпадал прям один в один. Смешной такой звук... Но очень похожий на то, что делала певица. 

Ощущения, которые возникали при таком звуке, не имели ничего общего с теми, что были при пропевании упражнений техники Риггса. И до меня, наконец, дошло. Вырасти из академической манеры в то, что поет, например, Риана, не выйдет. Это просто по-разному! Это два разных подхода. Это разные физические усилия. Я на собственном опыте поняла, что нельзя "вырастить" из академической техники современный, плотный звук, которым поют большинство современных исполнителей.

И я ухватилась за то, что у меня получилось. Я копировала тембр голоса Рианы снова и снова. Появилась надежда, что я нашла верную тропинку. Я не знала, насколько правильно я пела, да мне, если честно, уже было плевать на правила, потому что мне стало нравиться то, как звучит мой голос! Там, где все по правилам, я уже побывала и не нашла обещанного "золота". 

Говорят, успех - это количество попыток, и, похоже, что, наконец, их у меня стало достаточно, чтобы обнаружить что-то стоящее. 

И, слава богу, мне подвернулись нужные люди. Окрыленная сходством своего голоса с тембром Рианы, я зашла к одной преподавательнице (я все-таки не оставляла надежды, что мне кто-нибудь поможет) и спела ей свой вариант песни. Она сказала, что таким тембром она не поет, но то, что я делаю, очень похоже на народное пение. И дала мне послушать одну группу, звучание которой было, по ее словам, похоже на мое пение. Это была группа Zventa Sventana. Ее участницы брали русско-народные песни и перепевали их в джазовой манере.

У меня просто расправились крылья! Такой звук был очень похож и на Paramore, и на Alyosha, и на Уитни Хьюстон. Он был мощный, насыщеный, высокий. 

Народной пение? Да ладно!?.. Современные исполнители поют в народной технике?!. Да быть такого не может. Но как же все-таки песня Рианы похожа по звуку на то, что делают Zventa Sventana! 

Особенно это слышно на звуке "э", с которого начинают петь Zventa Sventana. 

И я подумала - вот! Вот так я хочу уметь, вот такой тембр голоса меня интересует! Но я никогда в жизни не пела русско-народные песни...

Я решила обратиться к преподавателю отделения народного пения в одном из ВУЗов Санкт-Петербурга с целью узнать, учат ли они петь, как Zventa Sventana. Преподавательница ответила, что да, участницы группы поют в народной манере, но так высоко, как на записи (дослушайте концовку) в народной технике петь не учат.

Оказывается, порогом в народной манере считается до второй октавы (у девушек). И то, они не развивают это, а берут тех, кто уже как-то сам умеет, объясняя это тем, что работать надо только в том диапазоне, который дан от природы, иначе можно навредить голосу. Все, что выше до второй октавы, в народных коллективах поют в академической манере. 

Однако, это очень интересно! Именно до второй октавы обычно и является самым высоким порогом большинства попсовых песен. 

Вы себе не представляете, в какой я пришла восторг! Будто вот-вот найду клад!

Последним аргументом в пользу моей теории, что звук, которым я пела песню Рианы, это народная манера пения, был поход к фониатору. Фониатор - это врач, который занимается органами голосового аппарата.

Я издавала а-ля Риановские звуки, фониаторы смотрели. А на вопрос, что происходит в горле и насколько это безопасно для голоса, мне ответили так:

"Если бы вы пели в академической манере, то мы бы сказали, что то, что вы делаете, неправильно, потому что у вас включаются околосвязочные мышцы. Горло должно быть широким, без малейшего вовлечения околосвязочных мышц. Это делает звук легким. Но! Если бы вы пели в русско-народной технике, мы бы сказали, что у вас все в норме. У русско-народных исполнителей включаются околосвязочные мышцы, и горло становится вздутым, как накачанная мускулатура, что ведет к более плотному, сильному звуку".

Довольно сложно найти качественную реальную картинку на эту тему. Но вот некоторый пример:

Академическая манера пения

Народная манера пения

Видно, что при академическом пении - связки хорошо просматриваются. А при народном пении их практически не видно из-за напряженных (вздутых) вокруг мышц.

Так вот оно что! Вот почему при академическом пении никак нельзя добиться мощности и драматичности современного звука! Потому что в его образовании не участвует достаточное количество мышц! И хоть сколько воздуха выдыхай, силы голоса от этого не прибавится! Потому что сила - в мышцах горла!

Это была моя победа над хаосом вокального мира! Я поняла!

Горло может работать в двух режимах - с включенными околосвязочными мышцами или без них! 

В мире музыки в женском вокале это проявляется в двух больших направлениях: академическое и народное пение. 

Все остальное - это вариации на тему. Вот так-то! 

Речь сейчас только о женском вокале. Про мужской поясню чуть позже.

Девушки в академическом пении не используют работу околосвязочных мышц, так же, как и в подходе Риггса. 

Причина, по которой я не сразу распознала, что методика Риггса в женском вокале, по большому счету, академическая манера пения, была в отсутствии круглоты, которая явно присутствует в опере. 

В то время как звук, который предлагает Сет Риггс площе, писклявее, особенно это слышно на упражнениях, где ярко выражена назальность.

Однако, легкость, которая есть в тембре, особенно на верхних нотах, явно говорит о сходстве в происхождении этих звуков.

Теперь для объяснения с учениками передо мной стояла задача как-то назвать пение без включенных околосвязочных мышц.

Я не могла взять термин "академическое пение" для техники Риггса, потому что это, все-таки, больше про жанр музыки. Если я скажу, что некоторые современные исполнительницы поют академическим голосом, меня просто не поймут. 

Слышала еще, что вокал, как в упражнении Риггса,  называют головным голосом. Но головным еще называют резонатор! 

"Спойте головным голосом в головном резонаторе" - фраза для меня совершенно бредовая.

Еще одна знакомая преподавательница называла это лирическим тембром, свойственным только женщинам. Голос этот дан от природы, и ничего с этим сделать нельзя... Бла-бла-бла :) 

В общем, вариантов море: академическое пение, головной голос, лирический тембр. Мне же ничего из этого не казалось понятным объяснением. 

Была еще одна идея. 

Два режима работы связок отлично иллюстрируются на мужском голосе. Только у них этот "головной" голос называют фальцетом.

Мужчины гораздо заметнее переходят в режим фальцета. Наверное, поэтому термин приписали именно им. 

Отличный русский пример - Владимир Пресняков. 

Заметьте, что в начале отрывка есть небольшой "щелчок" в голосе, где он переходит на фальцет, и потом уже поет им всю оставшуюся песню. Думаю, выбор в сторону фальцета был вполне осознанный, таким образом, певец создал свою фишку и сделал свой голос особенно узнаваемым.

Вообще, существует не один пример, когда звезды построили свою карьеру на фальцете. 

Например, Милен Фармер:

Или исполнитель, популярный во времена моего юношества, Darren Hayes. Обратите внимание, как он поет в бридже и припеве - переходит на фальцет:

Но у мужчин, как правило, сложно развивается фальцетный режим связок. Обычно звук при таком пении сиплый, неяркий, как в примерах выше.

Поэтому и в академическом, и в народном пении они преимущественно пользуются голосом с включенными околосвязочными мышцами. 

Вот мужской пример из той же методики Риггса:

Но у мужчин, как правило, сложно развивается фальцетный режим связок. Обычно звук при таком пении сиплый, неяркий, как в примерах выше.

Поэтому и в академическом, и в народном пении они преимущественно пользуются голосом с включенными околосвязочными мышцами. 

Вот мужской пример из той же методики Риггса:

Голос на записи большую часть упражнения поет голосом с включенными околосвязочными мышцами и лишь в самых высоких участках мелодии переходит на яркий фальцет. Это заметно не сразу, но переход в голосе слышен, особенно на самом последнем пассаже. 

Обычно мужской фальцет сильно отличается по характеру звучания. И, чем ниже голос, тем заметнее переход в фальцет. Григорий Лепс - яркий пример. Фальцет на слове "раз". Даже кажется, что это слово поет другой человек:

А как явно у Лепса слышна народная манера в пении, особенно на припеве! 

Это все указывает на то, что пути возможного развития голоса у мужчин и женщин, а также сложности, связанные с ним, очень схожи, если не сказать, что одинаковые. 

Отличие в том, что у женщин больше выбора - можно развить технику с включенными околосвязочными мышцами или без них. А где больше выбора, там больше вариаций и сложностей.

Женский фальцет можно так хорошо проработать, что он будет звучать довольно звонко и громко. В качестве примера пение Жанны Агузаровой. 

А вспомните нашумевший хит группы "Тату"! Казалось бы, такая динамичная песня, но припев спет в фальцете:

Короче говоря.

Фальцет - это не окрас голоса, это режим работы связок. Если округлить такой звук, выйдет академическая манера, если сделать звук назальнее и площе, будет звук, как в технике Риггса или у Жанны Агузаровой, если добавить много воздуха, получится то, что у нас традиционно называют "мужским фальцетом". Но все эти варианты объединены одним - работой голосовых связок в режиме фальцета.

А современные исполнители, в большинстве своем, поют в режиме народного пения - с включенными околосвязочными мышцами. Отсюда и мощь звука.

Чтобы вы хорошо понимали, о чем я говорю, предлагаю вам на своем опыте осознать, что такое эти два режима работы связок.

Собственные физические ощущения облегчат вам понимание теории!

Сначала послушайте запись:

Лучше попробовать спеть именно так - сверху внизу. Потому что иногда бывает сложно перейти в фальцет от низких нот. 

В начале я делаю несколько "возгласов" в фальцете. Затем сиреной спускаюсь вниз и перехожу в режим с включенными околосвязочными мышцами. 

Важно спеть первые "возгласы" с подачей, громко, чтобы уверенно "войти" в режим фальцета. 

Попробуйте теперь сами. 

Сконцентрируйтесь на своем горле, почувствуйте мышцы. Ощутите, как околосвязочные мышцы подключаются на низких звуках. 

Если вы не чувствуете перехода, то, скорее всего, делаете недостаточно громкий звук, либо пропеваете сирену очень быстро и не замечаете перехода. 

Переход, скачок, щелчок чувствуется более явственно, если вы поете максимально громким голосом и медленно!

Разница проявляется не только в физических ощущениях, но и в характере звука. Осознайте, насколько легкий, даже писклявый фальцетый голос, и какой речевой, насыщенный низкими обертонами, звук при переходе вниз. 

Надеюсь, это небольшое упражнение помогло вам проиллюстрировать мои слова. А я продолжаю свой рассказ!

Меня подбодрило еще одно интересное наблюдение. 

Я вспомнила про блюзовое пение. Именно из вокальной техники блюза выросло современное звукоизвлечение на западе. 

Но что такое блюз изначально? Это народное пение афроамериканцев. Из википедии:

 "Блюз (от англ. Blues или Blue Devils - это тоска, печаль) - музыкальная форма и музыкальный жанр, зародившиеся в конце XIX века в афроамериканском сообществе Юга-востока США, в среде выходцев с плантаций".

И еще цитата из той же википедии:

"Многие из тех, кто пел трудовые песни, жили в лагерях лесорубов или в палаточных городках строителей железных дорог, где в свободное время заняться было нечем. И естественно, что по вечерам люди пели. Я уже говорил, что многие негритянские песни могли исполняться в самых разных условиях; одни и те же песни звучали на хлопковых плантациях и в церквях, в военных лагерях и на судоверфях. В свободные часы негру в первую очередь вспоминались трудовые песни, и он их пел. И где-то каким-то образом из них родился блюз — новый, более совершенный вид музыки, призванный рассказать о чувствах и чаяниях трудящихся — мужчин или женщин. Трудно сказать, когда это произошло…

— Д. Л. Коллиер «Становление джаза"

По всей вероятности, этих людей никто пению не учил. Так же, как и наших соотечественников много лет назад. Русским людям песня помогала в работе, где-нибудь в поле, или вечерами за столом, чтобы веселее скоротать вечерок. 

И, действительно, как похоже звучат голоса в русско-народной и блюзовой манерах! :)

В качестве эксперимента попробуйте включить одновременно, и будет ощущение, что они поют вдвоем, голоса тембрально сливаются!

Получается, что современные западные исполнители поют в режиме народного пения. 

Есть, конечно, тембральные отличия русско-народного пения от афроамериканского, но о них позже. Самое главное, что их объединяет, одинаковый режим работы связок. Пропевая современные зарубежные песни в фальцете,  никогда не получится добиться сходства.

А еще я поняла, как важно доверять своей интуиции и своим ощущениям. Авторитеты авторитетами, но свой ум тоже на что-то дан. Я с радостью забросила технику Риггса, которая принесла мне столько разочарования, и начала все подряд петь в а-ля русско-народном-риановском стиле. 

Я обнаружила, что, как только у меня стал получаться народный звук, я стала слышать его во  многих зарубежных и не только зарубежных песнях. 

На эту тему делала видео в VK:Я обнаружила, что, как только у меня стал получаться народный звук, я стала слышать его во  многих зарубежных и не только зарубежных песнях. 

На эту тему делала видео в VK:

Распознав народность, я включала этот звук везде, где могла. Что-то было очень похоже, а что-то, все-таки, нет. Было мощно, но местами довольно грубо, было тяжело петь тихо таким голосом, он требовал громкости и напора. Интересно, что и народные песни, как правило, зычные, громкие. 

Слышите, что высокие голоса, которые пробиваются в хоре, крикливые. Таким тембром тяжело, а иногда и невозможно петь тише.

У меня довольно быстро уставал голос, потому что петь таким напором всю песню было физически тяжело. Особенно тяжко давались большие куски, где было много текста, потому что народный звук требует довольно широко открывать челюсть, и часто это мешало артикуляции.  Выходило довольно крикливо и тяжело.

Но этот вариант, конечно, был уже ближе к тому, что нужно. Фальцетный голос на фоне такого мощного звука явно проигрывал.

На сама деле, это чистая случайность, что у меня в архивах нашлась одна и та же песня, которую в каждый период своего развития я пела разными способами. И это большая удача, что я могу продемонстрировать вам это честно, как было на самом деле. Для меня это ценность, надеюсь, и для вас тоже. 

Итак, было уже ближе к тому, как мне хотелось звучать, но все-равно не то.

Получается, что я кинулась в противоположную от фальцета крайность: петь на максимально возможном напоре работы околосвязочных мышц. 

Наконец, в очередной раз пропевая песню под плюс вместе с голосом Рианы, я стала вдруг замечать, что далеко не везде она берет ноты народным звуком. В основном, народный звук был в концовках фраз, там где нужно было распеть гласную. А во всех других местах звук был мягче... Мягче и что-то еще. Мне никак не удавалось ухватить, что это за звук. Особенно не похож мой голос был в местах, где долго тянулся звук "и".

Слышно, что у певицы такая хорошая читабельная "ииии", а у меня всегда выходило скорее "ы", а не "и", что, как раз, связано с тем, что народный звук требует открывать широко челюсть, а "и" поется с прикрытым ртом. 

Оказывается, народный звук - это далеко не все, что нужно, чтобы петь современные песни. Есть еще много красок, которые отличают чисто русско-народное пение от современного вокала. Потому-то и сходство между ними удается найти далеко не сразу.

Я нуждалась в новых навыках и в новом термине. 

Современные песни - это, конечно, не русско-народная манера пения в полном смысле.

Схожесть с русско-народным пением есть только в режиме работы связок. В современном вокале так же, как и в русско-народном пении, включаются околосвязочные мышцы. 

Но есть и существенные отличия:

1. Разница в работе мягкого нёба, губ и языка. Их работа может существенно менять окрас голоса. Ниже пример русско-народной песни и современный вокал. Ани Лорак не поет всю песню народным, а использует этот звук частично - в конце фраз на длящихся гласных. В этих примерах схожи гласные Э: 

Русско-народная манера, как правило, пользуется одним определенным положением органов рта, так получается однотипность звука, который ни с чем не спутаешь. 

В то время, как современный вокал какие только вариации работы рта не использует! Отсюда и разнообразие! Народный звук -это лишь одна из многочисленных красок.

2. Разная степень вовлечения в работу околосвязочных мышц.

Русско-народное пение, как правило, использует смыкание связок ближе к максимальному.  Отсюда и озабоченность преподавателя русско-народного пения. Они не учат петь очень высоко, потому что при такой интенсивной работе голосового аппарата, он действительно устает и портится. 

Однако в современном пении используется разная степень сжатия околосвязочных мышц. Это сжатие можно варьировать от небольшого - до максимального. Мышцы - не кнопки. 

В современном пении певцы часто поют то жалобным звуком (на не сильном смыкании), то агрессивным, похожим почти ни крик. Меняя степень работы мышц можно существенно снизить усталость и напряжение работы связок. 

В общем, называть современную манеру исполнения народным пением я никак не могла. 

Я долго думала и в итоге оттолкнулась от идеи, что, когда я пою современные песни с включенными околосвязочными мышцами, я будто использую полную силу своего голоса, в том смысле, что энергетически такой звук кажется мощнее. 

И я назвала такое пение - полный голос. Возможно, это мои субъективные ощущения. Но термин был мне необходим.

Так я стала разграничивать 3 понятия:

1. Народная манера -  чисто русско-народное пение в традиционном смысле;

2. Полный голос - все варианты современного вокала, где связки работают с включенными околосвязочными мышцами;

3. Народный звук - когда в полном голосе используют окрас, как в русско- народной манере пения. 

Последний используется, как правило, в концовках фраз, где распеваются гласные. Преимущественно, этим звуком поют гласные "О" и "Э". Послушайте:

Уже приступив к написанию своей истории, я наткнулась на объяснение термина фальцет в википедии! 

Вот пара скриншотов на случай, если статья будет удалена:

"Фальце́т (итал. falsetto от falso «ложный») или фистула́ (лат. fistula «свирель») — верхний головной регистр певческого голоса, беден обертонами, тембрально проще основного грудного голоса исполнителя[1]. Анатомически фальцет рождается звукоизвлечением, когда голосовые складки переходят в режим, в котором колеблются лишь крайние, ближайшие к щели слои ткани слизистой. Фальцет применяется лишь для особой окраски звука[1]."

"Женский фальцет

И мужчины, и женщины физически способны использовать фальцет. До научных исследований 1950-х и 1960-х гг. было распространено мнение, что фальцет есть только у мужчин. Одно из вероятных объяснений того, почему женский фальцет не замечали ранее, состоит в том, что у мужчин более заметна разница в тембре и громкости голоса между фальцетом и модальным голосом, чем у женщин[3]. Тем не менее, видеосъёмка работы гортани доказывает, что женщины могут пользоваться и пользуются фальцетом. Электромиографические исследования нескольких ведущих логопедов и педагогов вокала также это подтверждают[3]."

"Алексей Иванов в книге «Искусство пения» охарактеризовал фальцет следующим образом:

Само название говорит уже за себя: ложный звук. Он получается путём колебания только лишь краёв связок, и при этом гортань находится гораздо выше её обычного певческого положения. Характер звука резко отличается от нормального тембра голоса и походит по высоте на женский. Фальцет очень распространён в камерном пении и особенно часто им пользуются лирические тенора.

— Иванов А. П. «Искусство пения»[2]"

Эх, если б я раньше наткнулась на этот текст! Хотя, думаю, без моего опыта я бы не смогла его понять так, как сейчас. 

Обратите внимание, как по разному называют режим с включенными околосвязочными мышцами - грудной голос, основной голос, модальный голос, нормальный голос :). То есть, и тут все еще нет единого мнения. 

Название грудной голос, на мой взгляд, не подходит, потому что есть термин грудной резонатор. 

Модальный голос - вообще абракадабра для человека не в теме. И даже в теме :) Потому что мне этот термин тоже ни о чем не говорит. 

Нормальный голос - это очень субъективно. Кому-то нормально, кому-то - нет. 

Основной голос - хорошо. Я бы, наверное, тоже могла взять такое название. Но ведь кто-то поет в фальцете всегда, и для него, скорее неё, это основной голос!

В общем, даже после прочтения статьи я решила оставить термин, который  придумала сама - полный голос. 

Однако, знать все эти варианты названий тоже полезно. Теперь, наткнувшись на них, вы будете знать, что все эти термины подразумевают под собой режим работы связок с включенными околосвязочными мышцами. 

Продолжаю свою историю. Итак, я поняла, что научиться петь народным звуком - это еще не happy end.

Было похоже, будто я знаю только одну букву из всего алфавита и пытаюсь петь ею всё. Оказалось, что народный звук - это только один из нескольких приемов, которыми пользуются современные исполнители. Я поняла, что есть еще много разных оттенков,  которые можно и нужно найти, чтобы иметь возможность петь современным звуком. 

Для этого нужно превратиться в вокального кладоискателя, который метр за метром осваивает поля песен, отыскивая новые приемы и звуки. 

Но у обычного кладоискателя есть лопата, чтобы искать, а что есть у меня? Как мне обнаруживать новые способы звукоизвлечения?

Я стала вспоминать, как нашла народный звук, и поняла, что ключевым моментом было то, что я пародировала, копировала, подстраивалась под то, что я слышу.

Это и была моя "лопата" :) Я поняла, что копирование, на самом деле, основной способ в обучении пению. Описывать звук словами помогает лишь тогда, когда вы уже уловили звук. В этом случае словесные комментарии, действительно, могут скорректировать ваши действия, но они никак не могут воссоздать основную картинку. 

Так учат и рисованию - через срисовывание, и танцам, показывая движение, которое нужно повторить. Представляете абсурдность предложения станцевать танго, не имея визульного представления, какие там движения. 

Почему же с пением должно быть по-другому?

В пении вы учитесь определенному набору приемов, понимаете принцип звукоизвлечения и пользуетесь этим в пении, как хотите. Вам нужно много раз послушать звук, отличать его на слух, затем, копируя его, вы издаете то, что нужно. 

Чем чаще вы будете слышать правильный (нужный вам) звук, тем точнее будут подстраиваться мышцы вашего горла и челюсти, и тем точнее вы будете воспроизводить звук. Вашему мозгу нужна точная мысль, чтобы издать точно правильный звук. И мысль эта должна быть в виде звука. Никакие словесные описания или логическое выстраивание действий не могут дать даже половины того эффекта, который дает звукоподражание.

Сделав звукоподражание своим основным инструментом, я взялась за освоение остального вокального алфавита. Рассказываю, как все было, в хронологическом порядке. 

Вторым важным открытием в том, каким звуком можно петь, была назальность. В исполнении Рианы на тот момент развития своей слуховой внимательности я не могла расслышать назальности, хотя слышу ее сейчас. 

Оказывается, для того, чтобы распознать звук, нужно, чтобы прием был утрирован, выпячен. Иногда такой утрированный звук может быть фишкой исполнителя, по которой его сразу узнают. У Рианы это народный звук, поэтому я его быстро распознала. Назальность же не является ее фишкой.

А вот этот исполнитель пользуется назальностью явно и ярко. С помощью данной песни мне и удалось обнаружить этот прием.

Или вот еще более известная песня:

Копируя назальный звук, я обнаружила, что он ОЧЕНЬ удобный, очень комфортный, никакого напряжения в горле. Я обнаружила, что используя назальность, можно существенно снять нагрузку, которая присутствует в народном звуке. Тут же я поняла, в чем была основная разница тех двух записей с русско-народным и афроамериканским пением.

Английский вариант гораздо назальнее русского. Вслушайтесь! Англоязычная исполнительница будто "жует" звуки, будто бубнит что-то себе под нос (!). А русскоязычная поет более крикливо, слышно, что ее челюсть довольно активно работает, она сильно выговаривает слова. 

Есть у этого чисто фонетическое объяснение. Русский - гораздо более гортанный язык, чем большенство западных языков. Интересный пример подсмотрела на одной из передач:

Западные языки, особенно английский, обладают гораздо большей назальностью. Это фонетическая особенность. Вслушайтесь в тембр: 

Поэтому петь с назальностью для англоговорящих людей так же естественно, как говорить. Это способствует тому, что пение с включенными околосвязочными мышцами дается им легче. Назальность физически облегчает пение полным голосом.  

Я попробовала спеть песню Рианы назально, и, о, чудо, как же легко пошел звук "и"! 

И я поняла, что именно за счет назальности ей удается так легко его произносить и тянуть. Вслушайтесь! 

Многие преподаватели вокала не любят назальный призвук. В русско-язычном вокале это не принято. Я, честно, не знаю, с чем это связано. Может, есть у этого какая-то история, обоснование. А, может быть, кто-то один раз сказал, что это плохо, и так и пошло. 

Однако, я хочу тут внести некоторую ясность. Есть назальность, а есть гнусавость. Первое делает звук звонким, второе - глухим. 

Дело в том, что звук из горла (как и воздух) может "выйти" только двумя путями - через нос или через рот. Через нос он выйдет в том случае, если вы сильно поднимете корень языка вверх, тогда звуку некуда будет деться, и он выйдет через нос. Вся фишка в том, чтобы звук выходил одновременно и изо рта, и из носа. То есть должен быть баланс. Если "носа" будет много, звук станет гнусавым, лишенным низких частот, безликим, а если вообще без "носа", то он станет заглубленным и глухим. 

Я спела для вас букву А от сильно гнусавого варианта до совсем заглубленного, без назальности. Заметьте, приемлемый сбалансированный вариант приходится где-то на середину записи.  

Есть и другой момент. Степень вовлечения назальности разный в зависимости от высоты ноты. На низких нотах назальности должно быть меньше, чем выше, тем больше. Поэтому переборщить с назальностью и получить гнусавость гораздо вероятнее на низких нотах и в первой половине середины диапазона. 

Вот, например, одинаковая степень назальности на разных участках моего диапазона:

Чем выше я пою, тем менее гнусавым кажется голос.

Открытие назальности было большим прорывом в моем вокальном путешествии., но впереди ждало еще немало сложностей.

Оказалось, что назальность в чистом виде далеко не всегда делает звук таким, как надо. На верхних нотах голос часто звучит плоско. 

Помню, тогда я очень увлекалась еще и творчеством Кристины Агилеры. Спустя какое-то время, я стала замечать, что да, у нее есть назальность, но она какая-то специфическая. 

Вот послушайте.

Такой тембр, кстати, является визитной карточкой певицы. Звук назальный, но при этом широкий! Благодаря этой ширине он слушается мощно, эпично и даже еще более пронзительно!

Я оооочень долго не могла понять, как же она это делает. Похожий звук я услышала у Полины Гагариной. Звучит широко и одновременно назально, особенно на букве И. 

Вы не поверите, как мне удалось прояснить для себя, в чем фишка...

Однажды, мы с мужем возвращались с отпуска на машине. Дорога была очень длинная, и я маялась, как скоротать время. Не знаю, как эта идея пришла мне в голову, но мне вдруг захотелось помяукать... Мы с мужем устроили кошачий звуковой батл - каждый пытался перемяукать другого, стараясь взять все более и более высокий тон. И во время этой детской игры меня вдруг осенило, как же зычно у меня выходит - одновременно и назально и "толсто", мощно! Я почувствовала, что помимо того, что я добавляю назальность, я поднимаю мягкое небо, делаю зевок во рту. Благодаря этому, звук становится округлым. Более того, благодаря поднятому нёбу во рту становится больше пространства, и звук как-бы "отражается", резонирует больше, и горло, связки не устают. Такой звук можно делать очень долго и не заметить, что что-то устало. Ну, кроме мягкого нёба :) Потому что его приходится держать поднятым, и с непривычки оно может уставать. 

Сравните просто назальное мяу и мяу с зевком. 

А вот так эти звуки звучали бы в песне:

То есть звук может быть назальным, а может быть округленно назальным.

Позже я выяснила, что на западе этот прием называют - тванг.  Назальность + поднятое мягкое нёбо!

С мягким нёбом есть свои нюансы. Так как это мягкая мышца, ее можно поднимать с разной амплитудой. Тогда и звук будет разным. 

Бывает, что исполнитель использует тванг, но на слух это не заметно. Например, здесь (чем громче, тем больше зевок):

Мужской вариант (тванг везде, кроме слова "зачем", которое поется народным звуком):

Удивительно, но в таких случаях прием можно обнаружить только, если начать копировать звук. 

Была еще одна вещь, которая раздражала меня. Несмотря на то, что я активно применяла все свои знания, звук, которым я пела, звучал неоднородно. Вроде бы я все вытягивала, вроде бы все получалось, а звучало как-то не профессионально. 

Одновременно с этими мыслями я интересовалась, как многие звезды делают такой воздушный звук:

Первое время я наивно полагала, что это такая обработка вокала. Или какой-то супер микрофон, который так сильно увеличивает громкость выдыхаемого воздуха. Однако, у меня на записях так все равно не выходило, несмотря на то, что микрофоны были вроде бы хорошие. 

Я "заболела" Beyonce несколько лет назад, когда очаровалась ее воздушным и одновременно сильным голосом. Обожаю ее живые выступления, которые почти всегда лучше, чем запись на студии. 

Кто заметил, в чем ее завораживающая фишка?) Помимо того, что она делает все, о чем я говорила - и народный, и назальный, и тванг - везде сквозной линией проходит воздух. Им пронизана вся песня от начала и до конца. Доказательством этому являются и крупные вдохи между слогами, что свидетельствует о том, что расход воздуха очень большой. Если смотреть видео, то это заметно по большой работе брюшного пресса.

Благодаря качественному внимательному прослушиванию пения Бейонси, я поняла, что воздух - это объединяющий компонент, клей, который делает звук единым. Если вы используете разные вокальные приемы, воздух объединяет их, и пение не кажется разрозненным.

Именно этого мне и не хватало раньше. Сравните:

Так же воздух делает звук более расслабленным, несмотря на то, что физически приходится довольно интенсивно работать животом и выдыхать.

Более того, дополнительно выдыхаемый воздух помогает избежать слишком сильного напряжение околосвязочных мышц, что помогает снять лишнюю нагрузку с горла, оно меньше устает. 

В самом начале я говорила, что меня "бесит это умопомешательство на том, что самое главное - это научиться дышать". Дышать - это, конечно, важно, но! Необходимо сместить акцент: концентрироваться не на выдохе, как таковом, а работать над выдохом ВМЕСТЕ со звуком. 

На мой взгляд, большим упущением в обучении вокальному дыханию является концентрация не на той части тела - брюшном прессе. Ко мне приходят много учеников, которые прекрасно дышат животом, но воздуха в звуке нет, он зажат. 

На мой взгляд, без разницы, как вы работаете животом. Если в звуке отсутствует воздушность, работа прессом или диафрагмой вас не спасет. 

Внимание ученика часто обращают полностью на живот, а оно должно быть на издаваемом звуке. Живот при этом включится сам на столько, на сколько нужно для данного звука. 

Я назвала этот прием - выдыхать в звук. Вы концентрируетесь на том, чтобы, помимо издаваемого звука, дополнительно выдыхать воздух. Для этого лучше всего подобрать эталон голоса, в котором этот прием будет хорошо прослушиваться, и копировать его. 

Количество выдыхаемого воздуха может быть разный, иногда воздух совсем не слышно, а иногда его так много, что это уже больше похоже на сиплость. Мышцы - это не кнопки, можно выпустить много воздуха, можно мало. Занимаясь проработкой воздуха в звуке самостоятельно, можно запутаться, сколько же именно надо воздуха. Поэтому выбор эталона - важный момент. 

То есть, снова я ставлю на первое место не контроль за телом или словесные описание, а мысль о звуке. Именно она обладает силой настроить такой тонкий и сложный механизм, как человеческий голос. 

Уже в преподавательской деятельности я нашла еще один прием, который не могу не упомянуть здесь. 

Этот звук не относится к моей истории, потому что я им интуитивно пользовалась всю жизнь, но не замечала этого. 

Однако, только спустя несколько лет преподавания я сумела его расслышать и объяснить ученикам. 

Описание этого звука отлично дополняет картину работы голоса в полном режиме работы связок. Уметь издавать этот звук - совершенно необходимое условие в пении. 

Я называю этот прием - жалобная интонация. 

Выражение это стоит понимать буквально. Голосом вы изображаете плаксивость, хныканье. 

Я стала активно применять термин на учениках, и, оказалось, что понятие жалостливости понятно всем! Главное, направить свое внимание на слушание эталона, распознать тембр плаксивости и после этого спеть.

Прием помогает улучшить звук сразу в нескольких аспектах:

- сделать звук звонче (если есть хрип или сип);

- спеть выше.

Попробуйте сами:

Долго-долго я не могла придумать, как описать ученику характер звука при повышении мелодии. И в какой-то момент меня осенила простота этого термина!

Вспомните, как плачут маленькие дети. Их голоса очень высокие и очень громкие! 

Что же происходит при жалостливой интонации?

Полный голос - режим работы связок, когда включаются околсвязочные мышцы. 

Иногда это делает звук очень тяжелым, плюс появляются сложности с высокими нотами. Связки зажаты мышцами и не могут растянуться для высокой ноты. 

Жалостливая интонация помогает расслабить околосвязочные мышцы, связки становятся более расслабленными, им легче растянуться для высокой ноты. Плюс воздух проходит через связки более свободно, что дает возможность выдыхать в звук. 

Так же, как и с назальностью, твангом или воздухом, звук можно делать более или менее жалостливым. Помним, что мышцы - не кнопки, вариантов может быть масса. 

За счет жалостливой интонации и ее разных градаций можно делать звук более или менее напряженным. И этим можно играть! :)

Например:

Филировка - прием в вокале, когда звук меняет свою напряженность и громкость в пределах одной слитной мелодии. Это происходит за счет регулировки плотности смыкания связок! А, если говорить проще, более или менее жалостливой интонацией.

Можно делать звук громче-тише, напряженнее-расслабленнее. Это дает возможность передать разнообразные эмоциональные краски в звуке. 

Послушайте, как это делает исполнительница в следующей песне. Как от одной части песни к другой увеличивается плотность смыкания связок - от совсем нежного (жалостливого) в начале и плотного, твердого окраса в припевах, особенно в последнем. 

Какая же самая главная идея моего подхода? Звукоподражание. Оно, в свою очередь, приводит к развитию способности представлять звук в голове. 

Вы много раз слушаете эталон и, таким образом, запоминаете его. Имея звуковой образ в памяти, внутри себя, вы даете точную команду своим мышцам, что делать. Нужные мышцы включаются именно так, как нужно для конкретного звука. Вы мыслите мелодию, и только тогда она воплощается в реальность. 

То есть, вы выстраиваете звук не от мышц или словесных описаний, а от звука, который вы запомнили. 

Мыслить мелодию в голове я назвала так - аудиовоображение. Оно помогает и в освоении навыка попадать в ноты, и в вокальной технике. 

В попадании в ноты вы представляете в голове высоту ноты или высоту последовательности нот - мелодии. И только тогда, когда вы точно ее запомнили и представили, вы поете без фальши - чисто. Таким образом, фальшь - это часть мелодии, которую вы не помните.

Мне даже удалось провести научное исследование на эту тему. На примере работы голосовых связок я демонстрирую, как тело начинает работу еще до того, как вы издаете звук.Какая же самая главная идея моего подхода? Звукоподражание. Оно, в свою очередь, приводит к развитию способности представлять звук в голове. 

Вы много раз слушаете эталон и, таким образом, запоминаете его. Имея звуковой образ в памяти, внутри себя, вы даете точную команду своим мышцам, что делать. Нужные мышцы включаются именно так, как нужно для конкретного звука. Вы мыслите мелодию, и только тогда она воплощается в реальность. 

То есть, вы выстраиваете звук не от мышц или словесных описаний, а от звука, который вы запомнили. 

Мыслить мелодию в голове я назвала так - аудиовоображение. Оно помогает и в освоении навыка попадать в ноты, и в вокальной технике. 

В попадании в ноты вы представляете в голове высоту ноты или высоту последовательности нот - мелодии. И только тогда, когда вы точно ее запомнили и представили, вы поете без фальши - чисто. Таким образом, фальшь - это часть мелодии, которую вы не помните.

Мне даже удалось провести научное исследование на эту тему. На примере работы голосовых связок я демонстрирую, как тело начинает работу еще до того, как вы издаете звук.

Однако, повторить нужную высоту звука проще, чем его тембральный окрас. Ведь высота ноты одна, а вариантов, каким голосом она может быть спета, много. 

В обучении пению мало просто повторить точно мелодию по нотам. Если вы не обращаете внимания на ее тембральный окрас, а просто повторяете нужную ноту привычным для вас голосом, то вы, возможно, повторите нужную высоту ноты, но тембр, окрас не будет похож. И ладно, если у вас от природы красивый звонкий голос. А если он тихий, сиплый или хрипит, а вы хотите это исправить? 

Когда вы учитесь попадать в ноты, вы повторяете определенные звуковые сочетания, которые гармонируют между собой. Есть эталоны этих сочетаний, вы их запоминаете, воспроизводите про себя, связки растягиваются в нужное положение. Так вы учитесь попадать в ноты.

Низкая нота

Высокая нота

Тоже самое с тембром голоса. Есть образец - звонкий, полетный, громкий голос, который вам нравится. Вы копируете его на слух, и нужные мышцы сами включаются в работу! Так вы учитесь нужному тембру.

Можно, конечно, идти от словесных описаний или логического выстраивания действий. Но ни то, ни другое не даст вашему телу столько информации, сколько сам звук.

Поэтому на своих уроках я пою почти столько же, сколько и сам ученик :) До тех пор, пока он не словит звук. Только после этого я могу переходить на словесные описания, говоря "здесь нужно больше воздуха", "здесь народный звук", "тут слишком много назальности". И ученик меня понимает, потому что имеет уже достаточное представление о том, как петь. 

Звукоподражание - это инструмент, конкретное действие, которое приводит к развитию аудиовоображения. Аудиовоображая другой голос (эталон), человек имеет возможность дать точную информацию мышцам. Так вы получаете похожий на эталон звук. 

Да, идя по пути звукоподражания, может возникнуть страх потерять уникальность своего голоса. 

Но все, что я вам описала выше, свидетельствует о том, что есть некоторая палитра красок современного вокала. Одну и ту же песню можно спеть разными вокальными приемами. Если вы ими владеете, конечно ;) 

Способ, который я предлагаю, дает возможность понять, как пользоваться своим голосовым аппаратом и издавать такие звуки, как вам нужно. 

Более того, если вы умеете управлять своим голосом, значит, вы умеете им управлять! Нет, я не описалась, употребив два раза слово "управлять"! :) Часто ко мне приходят люди, которые "заперты" в своем привычном звуке. Они могут только "вот так" и очень страдают из-за этого, не понимая, что они же это и создают!  

В таких случаях ученик часто говорит: "Я не знаю, как так выходит, оно само..." В этот момент я люблю шутить: "Кто же за тебя спел?" :)

Если вы умеете подражать разным тембрам, это значит, что вы способны осознанно менять голос. Если вы способны осознанно менять голос, значит, у вас есть выбор, как петь. Вы можете создавать что-то новое, комбинировать приемы и создавать свое уникальное звучание.

Способ копирования тембра на слух - универсальный способ для развития любой вокальной техники, для издания любого звука. Вы ограничены только своими мыслями :)

Итак, суммирую все, что я осознала за этот вокальный путь:

Фальцетный режим работы связок (фальцет) - когда связки смыкаются почти без участия околосвязочных мышц. В этом режиме поют академические певцы и некоторые поп и джаз исполнители. 

Народный режим работы связок  - когда связки смыкаются при вовлечении в работу околосвязочных мышц. Этот режим работы связок используют в русско-народном пении, а также в современной поп, джаз, рок, фолк и рэп музыке. 

Полный голос - мое название пения современных песен в народном режиме работы связок. От русско-народного пения отличается разнообразием приемов: назальность, тванг, воздух в звуке, жалостливая интонация. 

Народный звук - когда в полном голосе используют окрас, как в русско- народной манере пения. 

Жалобная интонация - плаксивость, передаваемая с помощью голоса. Прием используется для смягчения работы околосвязочных мышц, помогает брать более высокие ноты, дает возможность филировать звук - петь тише-громче, мягче-напряженнее. 

Назальность - характерный носовой призвук. Использует для усиления звонкости, громкости голоса. Смягчает работу околосвязочных мышц, особенно на высоких звуках.

Тванг - назальность плюс поднятое мягкое нёбо. Прием используется для смягчения работы околосвязочных мышц, для придания звуку округлости и силы. 

Воздух в звуке - дополнительно выдыхаемый воздух во время пения. Смягчает работу околосвязочных мышц, создает более расслабленный на слух тембр, помогает брать более высокие ноты, объединяет разнообразие вокальных приемов в полном голосе. 

Звукоподражание - способ обучения пению. На мой субъективный взгляд, самый быстрый :) 

Аудиовоображение - способность представлять звук в голове до момента пения. Необходимое условие для точного копирования звука. Вы можете повторить только тот звук, который представляете в голове. 

Но и это еще не весь список :) 

Позже я стала заниматься развитием таких приемов как: вибрато, мелизмы, белтинг, скрипок (штробас), йодль. О них вы можете почитать в отдельной книге про Вокальную технику, где я собрала все, что знаю о приемах в вокале. 

Я благодарна всему своему пути! Не жалею ни одной пролитой слезы в попытках понять и разобраться! Задача просто спеть одну высокую ноту переросла в целую методику, самостоятельный подход. И сколько красоты и логики я в этом нашла! 

Что касается меня и высоких нот, то, конечно, они перестали быть для меня большой проблемой. Я научилась петь верха разным звуком, осознала границы своего диапазона, и не насилую себя, если чувствую дискомфорт. Мое ощущение комфорта - главный цензор правильного звука. 

Та песня, с которой все началось. Теперь я знаю, каким приемом она поется - белтингом. Это один из самый сложных вокальных маневров. Это режим полного голоса на очень высоких нотах. Подробнее о белте я рассказываю в своей Вокальной технике. 

Для меня это до сих пор крайне сложный звук. Сейчас стабильно я могу издавать его только на гласных: 

Однако, как  появляется текст, сразу становится довольно сложно удержать позицию глотки и рта, и, соответсвенно, звучание.  

Физиологические ограничения все-таки имеют место быть. Но, честно, я не расстраиваюсь. Благодаря моему вокальному путешествию (которое все еще продолжается), я поняла ценность всего остального диапазона :). Балуясь разными звуками, я нахожу то, что трогает меня лично. В итоге я вообще пришла к противоположному - я поняла, что мне очень нравятся низкий тембр. Женский низкий голос - это, по-моему, очень привлекательно :) А еще мне нравятся мелизмы и наполненный воздухом тембр:

Петь такие мелодии - это как перебирать бисер :) Красиво и интересно. Теперь для меня главное - не диапазон, а качество и характер звука внутри моих возможностей. 

Но это про меня. Ваше вокальное путешествие приведет вас к вашим вокальным берегам. Я буду безгранично рада, если благодаря моим объяснениям, вы найдете красоту своего голоса и полюбите его! 

Если у вас остались вопросы по теме этой книги или вы хотите оставить свой отзыв/пожелание, напишите мне!